오정선의 작업 : 소통을 위한 시각의 확장

최정희(서울시립미술관 큐레이터)

현대미술은 그 난해함과 복잡성으로 인해 대중의 외면을 받기도 하고, ‘어렵다’는 수식어를 몰고 다니기도 하지만, 반면 전통적인 회화, 조각 등의 작품에서 찾아보기 어려운 소통성과 관람객의 참여 가능성을 넓혔다는 점에서 보다 대중들에게 다가갈 수 있는 미술이기도 하다. 현대미술에 있어 작품의 감상이 신체적인 체험과 결부되며 경험적인 상호작용성(interactivity)을 만들어낸 직접적인 형태는 1950년대 이후 본격적으로 대두한 키네틱 아트와 해프닝, 퍼포먼스 등에서 찾아볼 수 있는데, 이후 테크놀로지의 발달, 예술의 주체에 대한 인문학적 태도의 변화와 함께 관객 참여적 작업은 다변적으로 발전해 왔으며, 그 상호작용성은 현대미술과 관람객을 잇는 하나의 연결고리가 되고 있다. 작가 오정선의 경우도 유리와 거울, 영상, 그리고 수증기 등의 비물질적 요소로부터 작가의 머리카락에 이르기까지 소통을 위한 다양한 매개체들을 이용하여 관객 참여적인 작업을 이어오고 있다. 그리고 이를 통해 미술에 대한, 그리고 인간에 대한, 사람 사이의 소통에 대한 보다 다양한 이야기들을 이끌어내고 이것을 관람객들과 나아가 세상과 소통하고 나누고자 하는 의지를 보인다.

소통을 위하여 작가가 제시하는 기본적인 장치 중 하나는 아이러니하게도 ‘벽’ 이다. ‘벽’은 ‘경계’의 성격을 상징적으로 내포하는 대상이다. ‘소통’과 ‘경계’는 일견 대비되는 개념으로 인식되지만, 소통이라는 것은 개체와 개체 사이, 즉 어떠한 경계 사이에서 야기될 수 있는 것으로, 소통을 위하여 필연적으로 수반되는 개념이라 할 수 있다. 경계를 의미하면서 또 경계의 소멸을 유도하는 매개로서의 벽인 것이다. 특히나 이러한 ‘벽’의 구성이 거울, 유리 등의 투명한 재료로 연출되어 작품은 끝없는 반영과 반사, 투과의 기능을 가져 독특한 이미지와 분위기를 만들어 내기도 하며, 경계와 비경계를 넘나들며 철학적 성찰을 유도하기도 한다. 이러한 ‘투명성’은 작가의 작품에서 중요한 또 하나의 요소로서, 많은 이야기와 해석의 여지를 만들어내며 상상력을 자극한다.

투명성(transparency)은 라틴어의 어원으로 볼 때, trans(across)와 parent(see)의 합성어이다. ‘너머 보인다’, 혹은 ‘보이는 것을 넘어선다’는 뜻으로도 확장해볼 수 있는 이 말은, 단순히 투명한 대상을 통해 너머의 것이 비춰지는 표피적인 의미 뿐 아니라, 존재 이면의 의미를 바라본다는 철학적 의미를 내포하기도 한다. 존재의 상호성과 가치의 양면성이 잠재되어 있는 것이다. 이처럼 투명성은 물리적인 시각적 투사의 가능성(빛이 투과할 수 있는 조건)인 지각적(perceptual) 특성이 관념적(conceptual) 특성을 이끌어낸다. 보다 다중적인 서사를 가능하게 하는 것이다. 더불어 유리, 거울 등의 소재는 그 투명함과 반사성으로 인하여 우리의 외면을 비춰 돌아보게 하는 동시에 내면까지도 성찰하게 이끄는 힘을 지닌다. 때문에 작가의 작업은 일상과 현실을 소재로 하면서도 다분히 성찰적이며, 명상적이다. 작가 자신, 혹은 관람객이 소재화 되는 등 현실이 작업의 재료가 되지만, 그 너머의 의식과 생각을 환기시키는 것이다. 이로 인해, 초월성, 비현실성을 유추시키고, 실재와 가상, 현실과 비현실의 사이에서 우리의 시각에 지속적인 의문을 제기한다. 또한, 관람자의 행위(신체적인 체험)가 작품을 변화시켜 유동적인 작품을 연출하고, 단순히 작품을 바라보고 느끼는 일방적 감상의 차원을 벗어나 상호 반응한다는 점에서 유희성을 내포한다. 이와 함께, 주체와 타자의 구분을 와해시키는 이러한 상호작용성은 소통을 주제로 하는 작품의 개념을 한층 뒷받침하게 되며, 작품의 구조를 보다 열린 개념으로 인식하게 한다.

작가는 본래 나 자신, 나의 내면세계에 천착하는 작업을 해 왔으나, 미국 유학 이후의 작업부터는 나로부터 더 나아가 관계에 대해 관심을 기울이고 나와 타자, 인간 간의 관계, 사람들의 시각의 차이 등에 주목해 왔다. 이번 개인전은 2003년부터 4년여 동안 미국에서 작업한 작품들을 새롭게 재구성한 작품들로, 작가의 작업세계를 대표적으로 보여주는 작품 세 점으로 구성된다.

먼저 (2008)는 총 140개의 정육면체 큐브로 이루어진 작품으로, 이 큐브는 투명한 면과 거울 면의 혼합으로 이루어져 있으며, 루빅스 큐브(Rubik's Cube)처럼 각각 관람객들이 손으로 방향을 돌릴 수 있도록 연출되어 있다. 함께 설치된 비디오 카메라는 전시장에 들어서는 관람객들의 모습을 큐브들에 투사하여 보여주게 되는데, 관람객들이 큐브들을 돌려놓는 방식에 따라 영상은 각기 다른 모습으로 보여지게 된다. 투명한 면에 비친 영상은 마주 보이는 벽면에 조각난 모습으로 비춰지기도 하고, 거울 면을 통해 반사된 영상은 반대편 벽이나 천정에 투사되기도 한다. 빛의 통과에 의한 시각적 투사로 방향을 예측하기 어려운 투명성의 특성 위에 영상이라는 시간성, 큐브에 의한 공간성의 혼재를 통하여 다층적인 공간의 깊이와 중첩된 시간의 지층을 보여준다. 영상 이미지의 참여적 꼴라주 작업이라고도 볼 수 있겠다. 또한, 큐브를 돌리는 행위와 자신의 모습이 투사된다는 점에 있어, 유희적인 흥미로움을 보이는 작품이기도 하다. 루빅스 큐브에서 큐브를 맞추는 것은 면이나 색의 형태를 일정하게 맞추는 것을 목적으로 하지만, 이 작업에서의 큐브는 그 반대로 큐브를 움직일수록 보다 많은 이미지와 현상을 이끌어낸다. 일반적으로 3×3×3개의 기본적인 루빅스 큐브로 만들어낼 수 있는 경우의 수만도 43,252,003,274,489,856,000가지라 하는데, 이 작품에서의 경우의 수는 헤아릴 수 없는 차원일 것이다. 또한 관람객은 거울에 의한 투사와 렌즈에 의한 투사를 동시에 경험하며, 다분히 자기성찰적인 상황을 경험하게 되는데, 이러한 경향은 거울을 활용한 다른 작업 (2004), (2004), (2004), (2003) 등에서도 공통적으로 발견된다. 더불어 투명 아크릴과 거울에 의한 반사, 재반사로 빛을 발하며 만들어지는 투명한 그림자들의 겹침은 시적인 분위기를 연출하며, 관객의 참여로 인한 이미지의 흔들림은 시각성을 넘어 음악적인 느낌으로 다가와 공감각성을 띠기도 한다.

함께 전시되는 영상작업 (2003)는 관계와 경계 등에 대한 개념이 보다 직접적으로 드러나는 작품이다. 투명한 유리판(‘벽’으로 이해될 수 있겠다) 너머에 작가가 자리하고 있고, 유리판과 작가 사이에는 뿌연 수증기로 인한 불투명한 막이 형성되어 있다. 이 수증기가 일정 시간 나오고 꺼짐을 반복함에 따라, 작가의 모습이 사라졌다 나타나게 된다. 경계의 생성과 소멸이 반복적으로 보여짐을 통하여 나와 타자, 사람과 사람의 관계, 그리고 공간 안에서의 개체의 존재감 등에 대한 다양한 사유를 불러일으키는 작품이다. 이러한 수증기 작업은 전시장 공간에 실제 기둥과 비슷한 모습으로 설치했던 (2004), 갤러리 공간 중앙에 파티션과 같은 모습으로 제작되었던 (2006)로도 연출되어 보여진 바 있다.

마지막으로 (2005)은 작가 신체의 일부인 머리카락을 통해 관객과 소통하고자 한 작업이다. 채집한 작가의 머리카락으로 흰 벽 위에 창문 형태의 드로잉을 제작하였다. 여기서의 창문은 ‘벽’과 같이 경계선상에 있는 대상이면서 경계를 와해하고 소통하려는 보다 열려진 태도를 암시하는 개체로 이해할 수 있다. 한편 이 작업은 일반적으로 회화의 평면이 가지는 폐쇄적이고 일방적인 소통 구조로서의 ‘창’의 개념을 머리카락이라는 소재와 벽을 캔버스화한 설치방식을 통하여 와해시키고 있기도 하다. 이 밖에 머리카락을 이용한 작가의 작업으로는 악기의 형태로 제작하여 연주할 수 있도록 한 (2004)와 미로처럼 설치하여 거닐 수 있도록 연출한 (2003) 등이 있다. 모두 관람객의 신체적 경험과 감각적 체험을 유도하는 작품들이다.

미술이라는 작업, 나아가 예술이라는 행위 자체가 결국은 세상과의 소통이다. 하지만 최근 미술시장의 활황과 작업의 개념적 치중 등에 의하여 관람자 및 세상과의 의미 있는 소통을 지향하는 긴 호흡의 작업이 많지 않은 현실에서 작가의 작업은 더욱 가치 있다고 보여진다. 작가는 자신과 우리들로 하여금 사물과 대상, 현상을 조금 다르게 보고 받아들이기, 일반적인 지각 능력의 한계를 넘어서기, 보이는 것 너머의 것을 발견하기, 일반적인 답과는 다른 재해석을 유도하기를 원한다. 단순히 작품을 바라보는 관조적인 태도를 넘어, 작가가 건네는 소통의 언어에 귀 기울이며 의문점을 함께 질문해보고, 주체적으로 작가의 의도를 따라가 보자. 이 작품들은 관람객들의 참여와 생각으로 비로소 완성되는 작업들이기 때문이다.