확인 닫기 검색분류 제목 내용 검색 검색 Research Guide for the Kim Jungheun Collection Author | Sohl Lee (Associate Professor of Art History, Stony Brook University)With contribution for research | Minjung Lee (MA in Art History, Ewha Womans University)Publication date | 2025.10.31 1. Preliminary Information Kim Jungheun (b. 1946-)—painter, art activist, art educator, and arts administrator—has persistently raised questions about art, society, and the history of the Korean Peninsula since the 1980s. He was born in Pyongyang in 1946, fled to Busan during the Korean War, and later spent his childhood in Seoul. He earned his BFA in painting from the College of Fine Arts at Seoul National University in 1972 and completed his MFA there in 1977. In his group and solo exhibitions during the 1970s, he pursued semi-abstract painting experiments. From 1980 onward, he produced works referred to as “critical realism,” or “new figurative painting,” incorporating images and materials from mass media such as magazine advertisements and newspapers. His main themes include peasants, the minjung (the people), land, history, and the division of the Korean Peninsula. From the 1980s to the 2010s, spanning about 30 years, he served as a professor in the Department of Art Education at Kongju National University. He is widely recognized as a prominent figure in minjung art (people’s art), having played a key role in founding the artist collective Reality and Utterance (est. 1979) and the national organization Korean People’s Artists Association (est. 1985), both of which led the development of Minjung art during the 1980s. In the early 1980s, he developed the concept of the “Massive Picture” into a public art project and continued his painting practice through 2019. Kim Jungheun, By Chance, By Necessity: 40 Years with Minjung Art, 2021This is a memoir reflecting on the author’s 40-year journey as a Minjung (people’s) artist, beginning with his early years as a “liberation baby”—born shortly after Korea’s liberation from Japanese colonial rule in 1945. The book is divided into two parts: Part 1 covers the author’s autobiographical life story, while Part 2 explores his artistic philosophy through his contributions to The Hankyoreh newspaper. It serves as a valuable resource for understanding Kim Jungheun’s life, the history of Minjung art in which he participated, and the values he upheld as an artist. Kim Jungheun, “Art and Ownership: A Proposal for ‘Massive Art’,” in Reality and Utterance: Toward a New Art of the 1980s, 1985This essay presents the author’s thoughts on the ownership and consumption of art. Kim critiques the commodification of art and the institutional systems that perpetuate it, advocating instead for what he calls “massive picture”—art that enables genuine communication between the artist and the audience. By “massive picture,” he refers to “art that can be shared”: “art that tells stories of real, lived experiences; stories freed from ownership relations that make communal living possible; stories in which people become the agents of their own lives, liberated from division and oppression.” Kim not only proposes “massive art” as a form of artistic practice but also emphasizes the need for art education as a means of addressing fundamental issues. Written around the time of the formation of the Korean People’s Artists Association, this text offers insight into Kim’s evolving view of art in relation to reality—expanding from art creation to socially engaged artistic practice. Kim Jungheun, “Environmental Communication,” in Pictures and Words: Collected Writings for the ’82 Exhibition of Shape of Happiness, 1982This essay positions “art in the frame” and “art on the street” as opposing concepts, assigning murals the roles of popularity, anonymity, the social significance of the contextual site, and communication as the transmission of messages. It primarily references postwar Anglo-American murals and the early 20th-century Mexican mural movement. Citing Arnold Hauser (1892–1978), who described art as “a different form of society with life as a common denominator,” Kim identifies the urban environment as “the totality of our lives.” As a consistent reader of the literary quarterly Creation and Criticism(창작과 비평), Kim was an early reader of Hauser’s Art and Society. In this writing, Kim’s critique of art supremacism culminates in a celebration of large-scale popular art, including monumental murals. Monthly Art August 1989 Issue, “Contemporary Artist Study: Kim Jungheun”This special feature on Kim Jungheun appeared in the August 1989 issue of Monthly Art (Wolgan misul). It proposes examining the artist’s work as an exemplar of “critical peasant painting,” introducing key pieces focused on rural life and farmers, such as Farmer (1980) and Mr. Kim Who Guards the Village (1988). The issue includes an interview with a prominent minjung art critic You Hong-june (b. 1949-) and a critical essay by art critic Shim Kwang-hyun (b. 1956-). Shim’s essay, “A Painting That Pierces the Spirit of the People,” discusses the meaning of popularity and the resulting thematic concerns pursued by Kim and other Reality and Utterance artists, as well as how Kim’s engagement with social reality deepened after the formation of Korean People’s Artists Association, particularly through his development of the concept of the “massive picture.” In the same issue, Kim was also featured as one of 14 contemporary Korean artists who adopted Folk Painting-inspired motifs, alongside a special feature on the spirit and everyday ethos of minjung and ordinary people found in traditional Korean folk painting. National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), Korea, 15 Years of Minjung Art: 1980–1994, Exhibition Catalogue, 1994This exhibition was the first retrospective of the Minjung Art movement and the first Minjung Art exhibition organized by a state-run public art museum in South Korea. At the time, Kim Jungheun served as chair of the organizing committee. In addition to highlighting his artistic practice within the broader Minjung Art movement, the catalogue also sheds light on his practical engagement in the arts as an arts administrator. Kim Jungheun, Shin Chung-hoon, “Kim Jungheun: Seeing the World Through Art,” in Minjung Art, Listens to History 1, 2017This book was planned in 2015 to commemorate the 30th anniversary of the founding of Korean People’s Artists Association, and it compiles interviews conducted by eight critics with eight veteran artists who participated directly or indirectly in the Minjung Art movement. In the dialogue included in the book between Kim Jungheun and art historian Shin Chung-hoon (b. 1975-), Kim offers an autobiographical reflection on his life. He recounts his artistic journey beginning with the Weed series from the 1970s, created out of his interest in marginalized subjects, followed by his works during the Reality and Utterance period centered on urban life and industrialization, and how these interests eventually expanded into the theme of farmers and peasants. Gyeonggi Larchiveum, “Kim Jungheun: On So-Called Weeds,” 2022This is the exhibition leaflet for Kim Jungheun: On So-Called Weeds, an archive exhibition held at Gyeonggi Museum of Modern Art, Larchiveum exhibition in Ansan. Unlike previous studies, which primarily introduced Kim as a participant in 1980s Minjung Art collectives and group exhibitions, this show focused exclusively on his early works from the 1970s. Art historian Sohl Lee’s essay, “On So-Called Weeds: Polysemic Experiments with Tradition Before the Era of the Massive Picture,” analyzes the semi-abstract paintings in which Kim explored various interests and themes that shaped his early artistic vision. His engagement with life, art, and literature can be traced back to the 1970s. This is echoed in the attitude revealed in Kim’s 2020 op-ed in The Hankyoreh, also included in the leaflet, titled “On the ‘Miscellaneousness’ of Art,” in which he describes his own paintings as japda (雜多), or “miscellaneous.” Yoon Nan-Ji, “Minjung Art as a Hybrid Space,” Journal of Contemporary Art History 22, 2007This article approaches Minjung art as a form of visual culture shaped by its contemporary era and society, focusing particularly on reality within the core founding group Reality and Utterance. The author draws on Homi Bhabha’s (b. 1949– ) concept of the “third space” to analyze the hybridity of Korean society as reflected in Minjung art during the politically, economically, socially, and culturally turbulent 1980s. Within this framework, Kim Jungheun’s Ode to Seoul (1981) and A Life of Plenty: Lucky Monolium (1981) are interpreted as indicators of the spatiotemporal plasticity of urban life at the time, marked by the coexistence of heterogeneous and conflicting elements amid rapid industrialization. Shin Chung-hoon, “Ambivalence in Reality and Utterance’s Relationship to Industrial Society, Mass Culture, and the City,” The Journal of Art Theory & Practice 16, 2013This study builds on the perspective of viewing Minjung art as a form of contemporary visual culture and examines the ambivalent attitudes of Reality and Utterance during its formative years in the late 1970s and early 1980s, in relation to the introduction of Frankfurt School’s mass culture theory in Korea. At a time when rapid industrialization spurred theoretical inquiry into mass culture, the group’s critics, including Choi Min (1944–2018) and Sung Wan-kyung (1944–2022), paid close attention to the power of mass culture to blur the boundaries between high and low culture. The author argues that in its early phase Kim Jungheun also embodied this ambivalence toward mass culture; the key example is Kim’s 1981 work A Life of Plenty: Lucky Monolium, which appropriates advertising imagery. The study highlights how early Minjung artists within Reality and Utterance critically engaged with mass media and popular imagery. Oh Song Hee, “The Image of the National Division in Korea in the Minjung Art of the 1980s: Focused on the Appropriation of Photographic Images,” The Korean Society of Art History 54, 2020This study examines how the technique of appropriating photographic image used in the works of Minjung artists during the 1980s is closely tied not only to formal concerns but also to thematic content—specifically Korea’s division system, a central subject of Minjung art. Kim Jungheun’s Pink Stimulates Appetite (1984), exhibited in the 5th Reality and Utterance Members’ Exhibition: June 25 (1984), directly appropriates a photograph from the Yalta Conference. His later work, April 19 and May 16 – The Gunpoint of Dictatorship and Unification (1990), presented at the 5th Unification Exhibition organized by Korean People’s Artists Association, combines photographic images with geolgae geurim (hanging pictures) to visualize national division. These works reflect the evolution of Kim Jungheun’s artistic practice, particularly his experimentation with photographic images and the site-contingent art emerging from protests and rallies at a time such activist art was gaining political and artistic traction. 2. Background Information Semi-Abstract Painting: Weed seriesWhile receiving an abstract-oriented education at an art college in the late 1960s and early 1970s, Kim Jungheun developed a socially critical attitude through reading Creation and Criticism, a literary and cultural criticism monthly first published in 1966. His loose participation in artist collectives during the 1970s and his 1977 solo exhibition at Gyeonji Gallery, which reflected his interest in motifs such as Weed, Baekje dynasty-period terracotta bricks, and Folk Painting developed into semi-abstract paintings in which each motif, expressed through a variable abstract language of white and pale tones, acquired meaning according to its position and context. The artist conceptualized weed as a theory of minor art—art produced on the margins, outside the mainstream. The theme of hillside shanty towns, which appears in his works from the 1980s and 1990s, also first emerged during this semi-abstract period. A large number of sketchbooks and notebooks preserved in the art archive attest to the artist’s intense early-stage reflections and working process. Reality and Utterance and the Minjung Art MovementKim Jungheun was a founding member of the artist collective Reality and Utterance, established in the winter of 1979. He participated in numerous thematic exhibitions held by the group, including The 1st Reality and Utterance Members’ Exhibition (1980), The 2nd Reality and Utterance Members’ Exhibition: City and Vision (1981), The 3rd Reality and Utterance Members’ Exhibition: Images of Happiness (1982), and The 5th Reality and Utterance Members’ Exhibition: 6.25 (1984). Unlike his Weed series of the 1970s, the submitted works were characterized by bright, vibrant primary colors and newly introduced depictions of farmers and families, often incorporating magazine advertisements and product logos as background. Kim affixed actual magazine pages to the canvas, directly appropriated advertising slogans as titles, and created esquisses—preparatory sketches—drawn over magazine and newspaper pages as part of his painterly compositional process. These methods align with the early theoretical direction of Reality and Utterance, particularly with ideas proposed by its key theorists Choi Min and Sung Wan-kyung concerning the visualization of the relationship between art and industrial society. As an active participant in the Minjung art movement, Kim continued his practice with a strong emphasis on social engagement and communication with the public through art. Notably, he devised a unique pictorial approach in which multiple visual planes—at least two—are layered within a single canvas, allowing diverse viewpoints and perspectives to coexist simultaneously within the work. As a result, various representational modes coexist within a single work in Kim Jungheun’s work. After joining the faculty at Kongju Teachers’ College (now Kongju National University), Kim collaborated with his students to complete his first public art project, Dream and Prayer (1985), painted on the exterior wall of the Gongju Prison. Painting Expanded Through an Inquiry into Land and SoilAs the Minjung art movement entered its later phase, Kim Jungheun came to occupy a central position in both the historicization of Minjung art and the globalization of Korean art in the 1990s. As a founding member of the Korean People’s Artists Association, he participated in the planning of 15 Years of Korean Minjoong Arts: 1980–1994, held at the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA) in 1994, serving as chair of the organizing committee. The following year, he received a Special Award at the 1st Gwangju Art Biennale (1995). While continuing to employ a pictorial methodology based on overlapping visual planes, Kim produced works between approximately 1987 and 1995 that centered on ochre-colored land and soil as primary backgrounds and motifs. The figure of the farmer also continued to appear throughout this period. Kim briefly explored installation art, producing a public sculpture at Cheonho Station in 1994 and exhibiting an installation at the Gwangju Art Biennale in 1995. He subsequently returned to painting and, from 1995 into the 2000s, carried out experiments with media, arranging multiple canvases horizontally or vertically to construct a painterly surface. Arts Administration as an Expansion of the Art MovementBeginning in the late 1980s, Kim Jungheun expanded the scope of his artistic practice into the realm of cultural activism by serving as the representative of the Korean People’s Artists Association from 1989 to 1990 and later as co-chair of the National Korean People’s Artists Association in 1998. He organized and participated in a wide range of exhibitions, projects, and initiatives, thereby broadening the framework of artistic engagement into a broader cultural movement. Kim’s involvement in arts administration and operations began in earnest with JAALA: The Third World and Us (Tokyo Metropolitan Art Museum, 1986), the first international exchange exhibition organized by Korean People’s Artists Association, where he was responsible for communication and the transport of artworks. Especially after the 2000s, Kim held numerous major positions in art administration, including Executive Director of the Citizens’ Coalition for Cultural Reform (1999–2003), Commissioner of the Cultural Heritage Administration (2005–2007), Member of the South Korean Commission for UNESCO (2005–2007), Chairperson of the Arts Council Korea (2007–2010), Director of the Art and Village Network (2009–2012), Chairperson of the Seoul Foundation for Arts and Culture (2012–2015), and Chairperson of the April 16 Foundation (2019–2021). 3. Related Keywords Minjung Art, Massive Picture, Public Art, Weed, Minor Art, Peasant Painting, Folk Painting, Popular Culture, Industrial Society, Visual Culture, Reality and Utterance, Korean People’s Artists Association, Art Administration, Realism, Critical Realism, Creation and Criticism, Choi Min, Sung Wan-kyung, Oh Yoon, You Hong-june, Gwangju Art Biennale, Art and Village Network, JAALA, Art Education 작성일2025.10.31 김정헌 컬렉션 연구조사 가이드 글 | 이솔(미술사학, 뉴욕주립 스토니브룩 대학 부교수)연구보조 | 이민정(이화여자대학교 미술사학과)작성일 | 2025.10.31 1. 사전 정보 화가, 미술운동가, 미술교육자, 예술행정가로서 김정헌(金正憲, Kim Jungheun, b. 1946– )은 1980년대부터 예술과 사회, 그리고 한반도의 역사에 대한 질문을 끝없이 던진 작가이다. 1946년 평양에서 태어나 6·25 때 부산으로 피난을 갔으며, 그 후 서울에서 유년기를 보냈다. 1972년 서울대학교 미술대학 회화과에서 수학하고, 1977년 동 대학원을 졸업했다. 1970년대 단체전 및 개인전 활동에서는 반추상적 회화 실험을 추구했으며, 1980년부터 현재까지 ‘비판적 리얼리즘’, ‘비판적 사실주의’, ‘신구상주의’라고 불린 회화를 제작하며 잡지 광고와 신문 등의 대중매체를 이미지나 재료로 사용했다. 주로 다룬 주제는 농민, 민중, 땅, 역사, 분단 등이 있다. 1980년대부터 2010년대까지 약 30년 동안 공주대학교 미술교육과 교수로 재직했고, 1980년대 민중미술의 발전을 주도한 미술동인 ‘현실과 발언’(1979, 이하 ‘현발’)과 전국단체 ‘민족미술협의회’(1985, 이하 ‘민미협’)의 창립에 기여한 대표적인 민중미술가로 알려져 있다. 1980년대 초 ‘큰 그림’이란 개념을 공공미술 프로젝트로 발전시키고, 2019년까지 회화 작업을 지속했다. 김정헌, 『어쩌다 보니, 어쩔 수 없이: 민중미술과 함께 한 40년』, 2021작가의 ‘해방둥이’ 시절부터 민중미술가로서 40여 년의 활동에 대한 회고록이다. 총 2부로 구성되어 있으며, 1부에서는 작가의 자전적 생애를, 2부에서는 작가의 『한겨레』 기고문을 통한 그의 예술관을 살펴볼 수 있다. 김정헌의 생애와 그가 참여한 민중미술의 역사, 작가의 가치관을 파악할 수 있는 자료이다. 김정헌, 「미술과 소유: ‘큰 미술’을 위한 제안」, 『현실과 발언: 1980년대의 새로운 미술을 위하여』, 1985미술의 소유와 소비에 대한 작가의 생각을 담은 글이다. 작가는 미술이 물건으로서 소비되는 세태와 이를 둘러싼 제도를 비판하며, 작가와 관객이 진정으로 소통할 수 있는 미술인 ‘큰 그림’을 제안한다. 이때 그가 말하는 ‘큰 그림’이란 ‘나누어 가질 수 있는 그림’으로, “실질적인 삶의 이야기, 소유관계로부터 해방되어 더불어 살 수 있는 이야기, 분리와 억압으로부터 삶의 주체자가 된 이야기”를 의미한다. 작가는 실천으로서의 ‘큰 미술’을 제안하는 동시에 근본적인 문제 해결을 위한 미술교육의 필요성을 강조한다. 민미협을 결성할 즈음 창작에서 나아가 예술실천으로 확장되는 작가의 현실인식을 살펴볼 수 있는 자료이다. 김정헌, 「환경적 컴뮤니케숀」, 『그림과 말: ’82 행복의 모습전 글모음 자료』, 1982액자미술과 거리미술을 서로 반대의 개념으로 상정하고, 벽화에 대중성, 익명성, 현장의 사회적 의미, 그리고 ‘메시지의 전달’인 커뮤니케이션의 역할을 부여하는 글이다. 주로 전후(戰後) 영미권의 벽화와 20세기 초 멕시코 벽화운동을 참고하고 있다. 예술은 ‘삶을 공통인수로 한 다른 모습의 사회’라는 아르놀트 하우저(Arnold Hauser, 1892-1978)의 글을 인용하며, 도시환경이 ‘우리의 삶의 총체’라고 명명한다. 김정헌은 문학 계간지 『창작과비평』의 꾸준한 독자로서 하우저의 『예술과 사회』를 일찍 접했다. 예술지상주의에 대한 작가의 비판이 기념비적인 벽화를 포함한 큰 스케일의 대중예술 찬사로 이어지는 점을 볼 수 있다. 『월간미술』 1989년 8월호, 「오늘의 작가연구: 김정헌」『월간미술』 1989년 8월호에 수록된 김정헌 특집이다. 작가의 작품을 ‘비판적 농민회화’의 전형으로 살펴볼 것을 제안하며 〈농부〉(1980), 〈마을을 지키는 김씨〉(1988) 등 농민과 농촌을 주제로 한 작품을 위주로 소개한다. 유홍준(b. 1949– )과의 대담과 미술평론가 심광현(b. 1956– )의 비평이 수록되어 있다. 심광현의 글 「민중의 심성을 파고드는 그림」은 김정헌을 비롯한 현발 작가들이 추구했던 대중성의 의미와 이에 따른 주제 의식, 민미협 결성 후 ‘큰 그림’의 논리를 제기하며 심화된 작가의 현실 인식 등을 설명하고 있다. 김정헌은 같은 호에서 민중성과 서민성에 집중한 민화에 대한 기획특집과 더불어 민화적 모티프를 수용한 한국 현대미술 작가 14인 중 한 명으로도 소개되었다. 국립현대미술관, 『민중미술 15년 1980–1994』 전시도록, 1994민중미술운동 최초의 회고전으로, 국공립미술관이 기획한 최초의 민중미술 전시이다. 당시 김정헌이 추진위원회 위원장을 맡았다. 민중미술운동의 흐름 속 작가의 작품활동 외에도 기획가 및 행정가로서의 실천을 살펴볼 수 있다. 김정헌, 신정훈, 「김정헌, 미술을 통해 세상을 보다」, 『민중미술, 역사를 듣는다 1』, 2017 2015년 민미협 창립 30주년을 기념하기 위해 기획된 책으로, 민중미술운동에 직간접적으로 참여했던 8명의 평론가들이 8명의 원로 작가들과 진행한 대담을 엮어 출간되었다. 책에 수록된 김정헌과 미술사학자 신정훈(b. 1975– )의 대담에서 김정헌은 그의 생애를 자전적으로 회고한다. 작가가 1970년대 주변부적인 것에 관심을 가지며 그린 〈잡초〉 연작부터 현발 시절 도시와 산업화를 주제로 한 그림, 그리고 이 같은 관심사가 ‘농민’이라는 주제로 확장되어 가는 과정이 구술되어 있다. 경기라키비움, 「김정헌: 소위 잡초에 대하여」, 20221980년대 민중미술운동의 참여자로서 주로 민중미술 단체전 위주로 소개되었던 작가에 대한 기존의 연구에서 나아가 1970년대 초기 작업만을 집중적으로 조명한 아카이브전 《김정헌: 소위 잡초에 대하여》(경기도미술관, 안산)의 리플릿이다. 미술사학자 이솔의 글 「소위 잡초에 대하여: 큰 그림 시대 이전 전통에 대한 다의적 실험」은 김정헌 작품세계의 형성기에 그가 가진 다양한 관심 분야와 주제들이 반추상 형식으로 나타난 회화를 분석한다. 삶과 예술, 문학에 대한 작가의 다양한 관심사는 1970년대부터 관찰된다. 이는 리플릿에 함께 실린 2020년 한겨레 기고문 「예술의 ‘잡(雜)’에 대하여」에서 김정헌이 자신의 그림을 ‘잡다(雜多)’하다고 명명한 태도와도 일치한다. 윤난지, 「혼성공간으로서의 민중미술」, 『현대미술사연구』 22, 2007 민중미술을 그 시대와 사회가 만들어낸 ‘시각문화(visual culture)’로서 접근하며 그 주요 모태 그룹이었던 ‘현실과 발언’에서 전자인 ‘현실’에 주목한 글이다. 저자는 호미 바바(Homi Bhabha, b. 1949– )의 ‘제3의 공간’ 개념을 통해 정치·경제·사회·문화적 격동기였던 1980년대 민중미술에 투영된 한국 사회의 혼성성(hybridity)을 분석한다. 이에 따라 김정헌의 〈서울의 찬가〉(1981)와 〈풍요로운 생활을 창조하는–럭키모노륨〉(1981)은 급속한 산업화가 진행되며 서로 이질적인 대립항들이 혼재하는 당대 도시의 시공간적 가소성의 지표로 해석된다. 신정훈, 「산업사회, 대중문화, 도시에 대한 ‘현실과 발언’의 양가적 태도」, 『미술이론과 현장』 16, 2013민중미술을 당대의 ‘시각문화’로 접근하는 관점의 연장선상에서 현발 형성기인 1970년대 말과 1980년대 초 대중문화(Mass Culture) 이론의 수입과 맞물린 이들의 양가적 태도에 주목한 연구이다. 급변하는 산업화 시대 속 대중문화에 대한 이론적 탐색기였던 이 시기, 최민(1944–2018)과 성완경(1944–2022)을 위시한 현발의 평론가들은 고급문화와 대중문화의 경계를 와해하는 대중문화의 힘에 주목했다. 저자는 현발 초기 김정헌 역시 이 같은 대중문화에 대한 양가적 태도를 담지했다고 해석하며, 작가의 저술과 광고 이미지를 차용한 〈풍요로운 생활을 창조하는–럭키모노륨〉(1981)을 그 예로 제시한다. 민중미술 초기 대중매체 및 파생 이미지에 대한 현발 작가들의 복합적 해석을 보여준다는 점에서 의의가 있다. 오송희, 「1980년대 민중미술에서 분단의 형상화: 사진이미지 차용을 중심으로」, 『미술사학보』 54, 20201980년대 민중미술 작가들의 작품에서 나타나는 ‘사진 이미지의 차용’ 기법이 형식뿐 아니라 내용적인 면에서도 민중미술의 주제 의식인 분단 체제와 밀접한 연관성이 있음을 고찰한 연구이다. 《제5회 현실과 발언 동인전: 6.25》(1984)에 출품된 김정헌의 〈핑크색은 식욕을 돋군다〉(1984)는 얄타회담 장면 사진을 직접 인용하는 형식을 보인다. 민미협이 개최한 제5회 《통일전》(1990)에 출품한 〈4·19와 5·16–독재의 총구와 통일〉(1990) 또한 사진 이미지와 당대 유행했던 현장 미술 양식인 걸개그림을 절충함으로써 분단을 형상화한 작품이다. 민중미술운동에서 현장 미술의 중요성이 강조되며 형식적 절충을 모색한 김정헌의 작품 변화상을 읽을 수 있다. 2. 이해를 위한 배경정보 반추상 회화 ‘잡초’ 시리즈김정헌은 1960년대 말부터 1970년대 초 미술대학에서 추상 위주의 교육을 받으면서도 1966년에 창간된 『창작과비평』을 읽으며 사회비판적 태도를 품고 있었다. 1970년대 느슨한 동인 활동과 1977년 견지화랑 개인전에서 보인 ‘잡초’와 ‘백제 전돌’, ‘민화’에 대한 관심은 각각의 모티프가 흰색과 옅은 색상이 어우러진 다변적 추상의 언어로 위치와 맥락에 따라 의미화되는 반추상 회화로 발전한다. 작가는 잡초에 대한 이론을 주류에 속하지 못한 주변부의 미술, 즉 군소미술(minor art)로 상정한다. 1980년대와 1990년대에도 등장하는 ‘산동네’의 주제도 반추상 시기에 처음 등장한다. 미술 아카이브에 소장된 다수의 스케치북과 노트를 통해 작업 초기에 나타난 작가의 치열한 고민의 과정을 알 수 있다. ‘현실과 발언’ 활동과 민중미술운동김정헌은 1979년 겨울에 창립된 미술동인 ‘현실과 발언’의 창립 구성원으로 《제1회 현실과 발언 동인전》(1980), 《제2회 현실과 발언 동인전: 도시와 시각》(1981), 《제3회 현실과 발언 동인전: 행복의 모습》(1982), 《제5회 현실과 발언 동인전: 6.25》(1984) 등 다수의 주제전에 출품을 한다. 출품작들은 1970년대 ‘잡초’ 시리즈와는 달리 밝고 화려한 원색에 가까운 회화가 주를 이루며, 잡지 광고와 상품 로고를 바탕으로 농부와 가족의 형상 또한 새롭게 등장한다. 작가는 잡지면을 직접 회화에 부착하기도 하고 광고문구를 작품의 제목으로 직접적으로 차용하기도 하며, 회화의 구상 단계에서 잡지 광고와 신문 위에 그린 에스키스(esquisse)를 제작했다. 이는 현발의 주요 이론가였던 최민과 성완경이 제시했던 산업사회와 미술의 관계를 시각화한 현발 초기 이론적 방향과 맥을 같이한다. 김정헌은 미술을 통한 현실 참여와 대중과의 소통 문제를 적극적으로 수용한 민중미술운동의 참여자로서 작업을 이어간다. 특히 한 그림 안에 최소 두 겹의 화면이 중첩되며 다수의 시점과 원근법이 동시에 등장하는 독특한 회화론을 고안해 냈다. 그 결과, 김정헌의 회화는 한 화면 안에 여러 가지 그림 방식이 공존하게 된다. 공주사대(현 공주대학교)에 부임한 뒤 학생들과 함께 첫 공공미술 프로젝트인 〈꿈과 기도〉(1985)를 공주교도소 담장에 완성한다. ‘땅’과 ‘흙’에 대한 탐구로 확장된 회화민중미술운동이 말기에 접어들자 김정헌은 민중미술의 역사화와 1990년대 한국미술 세계화의 중심에 서게 된다. 민미협의 초대 구성원으로 1994년 국립현대미술관에서 개최된 《민중미술 15년 1980–1994》 추진위원회 위원장으로 기획에 참여했으며, 이후 1995년 제1회 광주비엔날레 특별상을 수상한다. 김정헌은 다수의 화면이 중첩되는 회화적 방법론은 그대로 유지하면서 1987년부터 1995년경까지 황토색의 땅과 흙을 주된 배경과 소재로 하는 작품을 제작한다. 농부의 형상 또한 지속해서 나타난다. 작가는 1994년 천호역 조형물, 1995년 광주비엔날레에서 설치미술을 짧게 시도한 바 있다. 그 후 다시 회화로 복귀하여 1995년부터 여러 개의 캔버스를 수평 혹은 수직으로 배치해 회화적 평면을 구성하는 매체적 실험을 2000년대까지 행하였다. 미술운동의 확장으로서의 예술행정1980년대 말부터 김정헌은 민미협 대표(1989–1990)와 전국민족미술인연합 공동의장(1998)을 시작으로 다양한 전시회 및 프로젝트, 사업을 추진하고 운영위원으로 참여하며 미술 활동의 범위를 ‘문화운동’으로 넓힌다. 1986년 민미협의 첫 해외교류전인 《JAALA: 제3세계와 아시아의 민중전》(도쿄도미술관, 도쿄)에서 커뮤니케이션과 작품 운송을 담당하며 예술 행정 및 운영에 본격적으로 참여한다. 특히 2000년대 이후 문화개혁시민연대 상임집행위원장(1999–2003)을 역임한 후, 문화재청 문화재위원(2005–2007), 유네스코한국위원회 위원(2005–2007), 한국문화예술위원회 위원장(2007–2010), 예술과 마을 네트워크 대표(2009–2012), 서울문화재단 이사장(2012–2015), 4·16재단 이사장(2019–2021) 등 예술행정직을 역임했다. 3. 관련 키워드 민중미술, 큰 그림, 벽화, 공공미술, 잡초, 군소미술(minor art), 농민회화, 민화, 대중문화, 산업사회, 시각문화, 현실과 발언, 민족미술협의회, 예술행정, 사실주의, 리얼리즘, 비판적 사실주의, 비판적 리얼리즘, 창작과 비평, 최민, 성완경, 오윤, 유홍준, 광주비엔날레, 예술과 마을 네트워크, JAALA, 미술교육 작성일2025.10.31 임동식 컬렉션 연구조사 가이드 글 | 김종길(한국현대미술, 미술평론가)작성일 | 2025.10.31 1. 사전 정보 임동식(林東植, Rim Dong Sik, b. 1945– )의 예술 여정은 자연을 그저 미술의 대상이 아니라 ‘함없(無爲)’으로 피고 지는 존재의 본성으로 이해하는 동아시아 감각에서 출발한다. 그는 충남 연기에서 태어나 풀포기의 떨림과 개구리의 합창, 바람과 별빛 같은 자연의 미세한 징후 속에서 세계를 터득했다. 그의 언어로 하면 “풀포기의 떨림에서부터 여치의 울음, 개구리의 합창…”(「야투 창립선언문」, 1981)에서 이미 자연의 시간과 감응을 예술로 전이시키는 감성이 형성된 것이다. 1960년대 홍익대 서양화과에서 그는 조형적 규율보다 자연에 가까운 감각을 더 신뢰하게 되었고, 1970년대 후반 ‘한국미술청년작가회’에 참여하며 제도 밖 미술의 길을 실험한다. 이 흐름은 1980년 《금강현대미술제》로 이어지는데, 그는 “자연의 아름다움을 한 단계 걸러 표현하는 것이 아니라 자연의 현장에서 여과되지 않은 감각을 드러낸다”는 입장을 분명히 했다 이 전시는 자연을 앞이 아니라 ‘뒤·옆으로 사유하는’ 전환적 사건이었다.1981년 그는 야투(野投)를 결성하며 자연미술의 강령—자연과의 신선한 접촉, 생명력의 예찬, 사계절연구—을 제시했다. 야투는 “자연은 스스로의 이유로 꽃을 피운다”라는 동아시아 생명론을 현장 행위로 전환한 실천이었다. 그에게 자연은 표현의 대상이 아니라, ‘던지는(投)’ 자리, 즉 인간의 몸과 생각이 자연의 리듬에 귀의하는 수행 공간이었다. 자연 속 퍼포먼스가 결과물보다 ‘감응’을 중시한 이유도 여기에 있다.1980년대 독일 유학은 자연미술을 국제 환경미술의 문맥에서 재인식하게 했고, 귀국 후 정착한 원골마을은 자연과 사유가 일상으로 스며드는 생활 기반이 되었다. 그는 띳집을 짓고 홀로 살며 “자연처럼 강하고 선하며 깨끗한 의식”에 도달하려는 수행을 지속했다. 1990년대 이후 회화로 전환한 작업들은 초기 자연행위의 재현이 아니라 기억과 사유가 쌓인 시간의 층위 그 자체였다. 그의 풍경화는 농부의 노동과 닮아 있다. “붓이 농기구라면 물감은 씨알이고 행위는 노동”이기 때문이다. 그는 경치를 보는 것이 아니라 경치의 ‘사유’를 그리는 행위에 임했다.1990년대 중반 예술과 마을 프로젝트는 “인간은 자연에서 와서 자연으로 돌아간다”는 관점을 다시 확인하며(「예술과 마을Ⅰ」 선언문, 1993), 자연예술을 공동체의 생활 세계로 확장했다. 국제자연미술제 기획은 야투의 미학을 세계적 담론으로 연결한 사건이다.2000년대 이후 그는 퍼포먼스·기록·회화를 순환시키는 독자적 구조를 발전시켰으며, 아르코미술관·대전시립미술관 전시를 거쳐 2020년 서울시립미술관 《일어나 올라가 임동식》에서 5천여 점의 아카이브가 공개되었다. 여기서 그는 “자연의 사유를 듣는 자”로 자리매김하며 자연의 표면과 심연(形·影), 삶과 예술의 경계를 허무는 미학을 증명했다.임동식의 자연미술은 요컨대 “생생지리(生生之理)—자연이 낳고 자라며 스스로 드러내는 리듬을 예술가의 몸과 삶을 통해 드러내는 미학”이며, 그의 예술은 자연과 인간이 일여(一如)의 상태에서 교감하는 세계이다. dtc 갤러리, 『임동식-80년대 함부르크 시절 드로잉부터 2018 오늘까지』, 20182018년 7월 13일부터 9월 30일까지 dtc 갤러리에서 진행된 《임동식-80년대 함부르크 시절 드로잉부터 2018 오늘까지》의 도록이다. 1980년대 독일 함부르크 유학 시절의 드로잉부터 2018년까지의 대표작을 볼 수 있다. 특히 오브제 드로잉, 오브제 콜라주 등 200여 점의 드로잉은 임동식의 작품세계를 이해하는 데 큰 도움을 준다. 아르코미술관, 『아르코미술관 주제기획전: 드로잉 에너지』, 20062006년 11월 3일부터 12월 14일까지 아르코미술관에서 진행된 《아르코미술관 주제기획전: 드로잉 에너지》의 전시 도록이다. 74–85쪽에 임동식의 작품 〈드로잉 1985〉, 그리고 이와 관련된 김형미의 작가론을 비롯해 작품 설명이 있고, 175쪽에 임동식의 약력이 실려 있다. “드로잉은 출발이고, 과정이고, 문제제기를 뜻한다.”는 기획 취지와 다른 작가들과의 비교를 통해 임동식이 추구해 온 자연미술에서 ‘드로잉’의 가치가 무엇인지를 확인할 수 있다. 원골마을, 『예술과 마을』, 20002000년 8월 18일부터 8월 31일까지 충청남도 공주시 신풍면 동원1구 원골마을에서 진행된 《예술과 마을》의 전시 도록이다. 전시에는 총 73인의 농업 종사 주민, 60인의 국내 초대 작가들이 참여하였다. 도록은 제1부, 제2부, 제3부-2000 예술과 마을 도록(작가와 명제), 제4부-원골 마을 관련 자료, 제5부(참고자료)-1993 예술과 원골, 제6부-2000 예술과 마을을 도와주신 분들 명단 등으로 구성되어 있다. 184–253쪽에 임동식의 글 「예즉농(藝卽農) 농즉예(農卽藝)」와 466–467쪽에 임동식의 작품 〈흙으로 송편을 빚어 굽다〉가 수록되어 있다. ‘예즉농 농즉예’는 임동식의 자연미술로 들어가는 가장 진실한 문이다. 임동식의 글을 통해 그가 추구하는 자연미술의 고갱이가 무엇인지 확인할 수 있다. 생산자 미상, 『Kunstproben』, 19871987년 11월 5일부터 1988년 1월 15일까지 독일 함부르크 바티그(BATIG) 갤러리에서 진행된 전시 《Kunstproben》 도록이다. 이 전시에는 함부르크 조형예술대학 재학 시절 지도 교수인 클라우스 뵈믈러(Claus Böhmler)와 임동식을 포함한 재학생들이 함께 참여하였다. 제작된 도록의 표지에는 당시 참여자들의 모습이 촬영된 사진이 사용되었으나, 촬영 당일에 함께하지 못한 임동식을 대신하여, 거북이를 등에 업은 퍼포먼스를 하는 임동식의 사진이 앞줄에 배치되어 있다. 당시 임동식이 출품한 작업은 각을 이루어 만든 좌대 위에 여러 가지 색의 전깃줄과 스피커를 사용하여 만든 부처 형상의 오브제를 올려두고 좌대를 둘러싼 천정에서부터 내려오는 흰 천의 중앙을 잘라 앞부분만 보이게 디스플레이한 것이다. 스피커로 만든 부처의 귀에는 임동식이 직접 녹음한 〈음의 윤회(Tonkreis)〉 사운드 작업이 설치되었다. 이 도록은 유학 시절에 무르익은 ‘교감’하고, ‘감응’하며, ‘감흥’을 틔우려는 세계관의 큰 실마리를 제공하는 책이다. 무엇보다 ‘수행성’의 태도에서 불교가 품고 있는 화엄우주론이 어떻게 임동식의 세계와 잇닿아 있는지를 잘 보여준다. 한국문화예술위원회, 아르코미술관, 임동식, 『임동식-안에서 밖으로 밖에서 안으로』, 20052005년 10월 28일부터 11월 24일까지 아르코미술관에서 진행된 《임동식-안에서 밖으로 밖에서 안으로》의 도록이다. 책의 표지는 〈어느 少年(소년)의 꿈을 위한 작업〉이고, 뒤표지는〈거북과 고목〉으로 디자인되었다. 도록에는 홍명섭의 평론 「동방소년 사유상-임 선배를 떠올리며」가 실려 있다. 도록의 구성은 1975년부터 2005년까지의 작업이 역순으로 전개된다. 임동식과 《금강현대미술제》, 《야투-야외현장미술연구회》를 함께 기획했던 홍명섭의 글은 회고담에 기대서 ‘예술하는 인간학’으로서의 ‘임동식’을 면밀히 살핀다. 가장 가깝고, 또 먼 거리에서 그린 ‘임동식 초상’이다. 갤러리 세솜, 『임동식-자연예술가와 화가』, 20142014년 2월 26일부터 3월 27일까지 갤러리 세솜에서 진행된 《임동식-자연예술가와 화가》의 도록이다. 이 도록은 김종길의 평론 「화농畵農, 미의 최소화를 위한 자기 수행-임동식의 자연미술과 회화적 상징」, 작품 사진, 작가 약력으로 구성되어 있다. 2003년에 그는 《금강자연미술비엔날레》를 반대하며 홀로 자연미술가의 길을 걷기로 결정한다. 그 뒤로 그는 10년 동안 ‘그림농사(畵農)’에 매진했다. 그 결과를 볼 수 있는 도록이다. 임동식, 『1964 보릿고개로부터!...』, 20152015년 4월 15일부터 4월 28일까지 스페이스몸미술관에서 진행된 홍익대학교 회화과 64학번 동기생들의 전시 《1964 보릿고개로부터!...》 도록이다. 238쪽에 임동식의 작품 〈친구가 권유한 검바위 고목-동서남북 4방향〉, 〈친구가 권유한 방흥리 할아버지 고목 나무 여덟 방향〉이 실려 있다. 책을 책임 편집한 임동식은 이들의 작품 경향을 비원파 사실주의, 청관파 수채화, 구상, 추상, 백색주의, 극사실 회화, 설치적 회화, 구상과 추상의 융합, 표현주의, 색채중심 밝은 그림, 신앙적 회화, 세계여행과 그림, 일상적 일로서 그림, 민중미술, 현장주의 풍경, 센티멘탈-로맨틱 리얼리즘, 야투-자연미술 등으로 나누어 설명한다. 이윤희의 평론 「예술과 인생」, 김종길의 평론 「청춘예찬, 미의 수행자들」이 실려있다. 서울시립미술관, 『일어나 올라가 임동식』, 20202020년 8월 19일부터 12월 31일까지 서울시립미술관에서 진행된 《일어나 올라가 임동식》 도록이다. 이 전시는 1970년대 초기작부터 40여 년간의 작업을 총망라한 아카이브 전시였다. 전시 제목은 1981년 여름 공주 금강에서 열린 야외현장미술 ‘야투(野投)’ 첫 모임에서 선보인 두 퍼포먼스의 제목에서 가져온 것으로, 그 이후 줄곧 ‘임동식’만의 길을 걸어온 작가의 미술 세계를 만다라처럼 펼쳐냈다. 전시는 크게 ‘몸짓’, ‘몰입’, ‘마을’, ‘시상’ 4개의 주제로 나누어 구성했다. 이 도록에는 전시를 기획한 김호정, 송고운 큐레이터의 「임동식의 말: 사유의 기록」을 비롯해, 김종길의 평론 「미의 한 긋, 오롯한 얼나-임동식이 궁리한 생생지리 미학」, 백승한의 평론 「자연문화와 함께 하기」가 실려 있다. 임동식이 펼쳐온 자연미술의 세계 전반을 아카이브, 작품, 평론으로 집대성한 ‘아카이브북’ 성격의 도록이다. 연구자들이 가장 먼저 살펴야 할 자료라 생각한다. 2. 이해를 위한 배경정보 임동식의 삶임동식은 1945년 충청남도 연기에서 태어나 농경지대의 자연을 삶의 조건으로 체험하며 성장했다. 들판과 강, 사계절의 변화를 몸으로 겪는 어린 시절의 경험은 그에게 자연을 조형의 대상이 아니라 ‘함께 존재하는 환경’으로 인식하게 했고, 이는 훗날 자연예술가로 나아가는 원형적 감수성을 형성했다. 1960년대 후반 홍익대학교 미술대학 서양화과에 입학한 그는 회화 교육을 받는 과정에서 제도 미술이 요구하는 조형적 규율이 자신의 감각과 상충함을 자각했다. 1970년대 후반 그는 젊은 작가들의 자율적 연대를 지향하며 한국미술청년작가회 창립에 참여했다. 이는 한국 실험미술이 제도와 분리되어 독자적 방향을 모색하던 중요한 순간이었고, 임동식에게도 자신만의 예술 언어를 구축하는 토대가 되었다. 이 흐름은 1980년 공주 금강 일대에서 개최된 금강현대미술제의 기획과 참여로 구체화되었다. 강과 숲, 하천변이라는 비제도적 공간에서 진행된 이 전시는 그가 자연을 작업의 장소이자 사유의 장으로 바라보게 한 결정적 사건이었다.이 경험은 곧 1981년 야투(野投, 야외현장미술연구회) 창립으로 이어졌다. 임동식은 자연 속에서의 비개입적 태도, 즉 사람의 조형 의지를 최소화하고 자연의 시간성과 조건 속에 몸을 위치시키는 방식을 통해 야투의 미학을 형성하는 데 핵심적 역할을 했다. 그는 나아가 자연의 변화 주기에 따라 활동하는 사계절연구회를 조직하며, 자연과 예술의 순환 리듬을 장기적으로 관찰·실천하는 구조를 만들었다.1980년대 그는 독일 유학을 통해 유럽의 실험미술, 퍼포먼스, 환경예술 담론을 직접 접했다. 독일에서의 시간은 자연예술이 동양적 직관에 머무는 것이 아니라 국제적 담론 속에서 확장될 수 있다는 가능성을 확인한 시기였다. 귀국 후 그는 공주 원골마을에 정착하며 자연과 공동체의 삶을 결합한 새로운 예술 실천을 시작한다. 이곳에서 그는 마을 주민과 일상을 공유하는 ‘예술과 마을 프로젝트’를 전개해 자연·삶·예술의 통합적 구조를 확립했다.1990년대 중반 이후 임동식은 야투 활동을 국제적 플랫폼으로 확장하며 국제자연미술제(International Nature Art Festival) 기획과 운영에 참여했다. 이를 통해 자연예술을 지역 기반의 실험을 넘어 세계적 네트워크 속에서 새롭게 의미화했다.그의 작업은 주요 미술관 전시를 통해 제도 미술의 장에서도 재조명되었다. 아르코미술관(ARKO)에서는 퍼포먼스 기록과 회화가 상호 구조를 이루는 방식을 소개하며 자연예술의 개념적 층위를 보여주었고, 대전시립미술관에서는 지역성과 자연성을 연결하는 작가의 미학적 전개를 조망하는 기획전이 이어졌다. 특히 2020년 서울시립미술관 《일어나 올라가 임동식》은 그의 반세기 작업을 아카이브 중심으로 재구성하며, 자연예술의 존재론적·역사적 의미를 본격적으로 정리한 대표적 회고전이었다.2000년대 이후 임동식은 퍼포먼스·사진·회화·텍스트를 아우르며 자연예술을 일상의 실천으로 확장해 왔다. 오늘의 그는 여전히 공주 일대에서 자연과 더불어 작업하며, 자연예술의 존재론적 의미를 탐구하는 독자적 궤적을 이어가고 있다. 《제1회 금강현대미술제》공주 금강 변에서 펼친 대규모 야외현장미술 전시였다. 1980년 11월 16일부터 22일까지 6박 7일 동안 지역에 연고를 둔 2030 작가들이 주축이었다. 이듬해엔 대전문화원에서 1981년 4월 18일부터 23일까지 《입체전》을 열었고, 4월 24일부터 30일까지 《평면전》을 열었다. 그는 ‘한국청년미술작가회’ 활동을 토대로 공주·대전과 충청 지역의 젊은 작가들을 대거 발굴하고 참여시켰다. 홍명섭, 유근영 등과 함께 기획한 이 전시는 야외현장미술을 알리는 본격적인 신호탄이 되었다. 중력, 시간, 불과 온도, 물의 흐름, 빛 등을 작품에 사용했으며, 평면과 이벤트 등 토탈아트 성향의 작품들도 제시되었다. 1981년 두 번째 《금강현대미술제 실내전》을 마치고, 그해 6월에 공주문화원에서 공주 연고의 임동식, 지석철, 유동조, 고승현, 허진권이 ‘오오五悟(다섯이 진리를 깨닫는다)’를 주제로 전시를 열기도 하였다. 야투-자연미술(野投-自然美術)‘야투–자연미술’은 1970년대 한국 실험미술이 실내 제도공간을 벗어나 자연을 직접 실험의 장으로 삼으려는 흐름 속에서 태어났다. 그중 1975년 안면도 꽃지해변 작업은 자연을 미술의 ‘대상’이 아니라, ‘현존하는 조건’으로 받아들이는 전환점이 되었다. 임동식은 꽃지 작업을 회고하며, 당시의 시도는 “자연을 재현하는 것이 아니라 자연의 흐름 속에 몸을 두어 그 감응을 직접 느껴보려 했던 실험”이었다고 설명한다. 이러한 시각은 이후 그가 정립하게 되는 자연미술 철학—자연에 개입하기보다 자연의 리듬에 귀 기울이는 태도—의 선행적 감각이었다.이 흐름은 광릉 숲 작업(1976)으로 이어지며 자연을 조형의 재료가 아닌 ‘사유가 발생하는 현장’으로 해석하게 했다. 이러한 경험들은 1980년 금강현대미술제에서 더욱 뚜렷해졌으며, 임동식은 이 전시 서문에서 자연미술의 원리를 “자연처럼 강하고 선하며 깨끗한 의식”을 향한 수행으로 규정했다.1981년 그는 야투(野投)를 창립하고 자연 속에서의 직접적 관찰·감응·비개입·사계절 연구를 중심으로 한 자연미술 개념을 체계화했다. 임동식은 이때 “자연의 현장에서 여과되지 않은 감각을 드러낸다”는 원칙을 제시하며 자연미술을 인위적 조형에서 벗어난 수행적 예술로 규정했다.1988년 《야투 실내에서의 자연미술전》, 《야투 세 곳의 섬으로부터…》은 야외작업을 실내 설치 언어로 전환한 첫 사례였고, 자연미술이 기록·문서·아카이브를 갖춘 독립된 예술체계임을 선명히 했다. 이어 1987년 스위스 『Kunstnachrichten』 특집, 1989년 독일 《Yatoo Natunstler Gruppe aus Korea》 전시는 ‘야투’ 개념을 유럽권에 전파하며 ‘자연미술(Nature Art)’이라는 용어가 국제적으로 통용되는 계기가 되었다.1991년 《금강에서의 국제자연미술전》, 그리고 1995·1998년 후속 국제자연미술제는 자연미술을 국제 플랫폼으로 확장시켰다. 임동식은 이 과정에서 자연행위·기록·회화를 순환시키는 자신의 작업구조를 발전시키며 자연미술을 국제 담론 속에서 재위치시켰다.이 역사적 전개는 2020년 서울시립미술아카이브에 기증된 임동식 아카이브 5,000여 점—야투 창립문서, 금강현대미술제 자료, 스위스·독일 전시 자료, 자연행위 사진 및 노트—을 통해 실증적으로 확인된다. 이 자료들은 자연·몸·기록·회화가 긴장과 순환 속에서 구성되는 야투–자연미술의 구조가 단일한 양식이 아니라 복합적이고 사유적인 예술체계였음을 드러낸다. 야투-야외현장미술연구회1981년 8월 공주시와 금강 유역을 근거로 활동하던 젊은 미술가들인 고승현·유동조·임동식·지석철·허진권 등이 중심이 되어 ‘야외현장미술연구회’라는 이름으로 창립되었다. 별칭인 ‘야투(野投)’는 임동식이 발의한 것으로 ‘작가의 생각을 자연 속에 표현한다’는 뜻이다. 1983년부터 내부 논의를 거쳐 ‘야투-야외현장미술연구회’는 1985년에 ‘야투-자연미술연구회’로 이름을 바꾸었고, 1995년에는 바깥미술회와 함께 ‘한국자연미술가협회’를 창립하였으나, 현재는 ‘한국자연미술가협회 야투’로 사용 중이다. 야투-사계절연구회1981년 창립 이래 ‘사계절연구회’라는 내부 연구 모임을 통해 ‘자연미술’에 대한 연구 활동을 지속시켜 ‘자연미술’의 미학적 연구와 이론적 체계를 확립하였다. 1991년 공주에서 개최한 《금강에서의 국제자연미술전》은 국제 자연미술 운동으로 확대되었으며, 20여 차례의 국제 교류를 통해 세계 미술계에 그 기반을 구축하였다. 특히 1981년부터 1991년까지 38회에 걸쳐 진행된 사계절연구회 도록과 아카이브는 ‘자연미술’이 어떤 과정을 거쳐 완성되어 가는지를 살펴볼 수 있는 귀한 자료이다. 왜 그들이 ‘야투-야외현장미술연구회’를 ‘야투-자연미술연구회’로 이름을 바꾸었는지를 깨닫게 된다. 예즉농(藝卽農) 농즉예(農卽藝)1981년부터 10년간의 독일 유학 생활을 마치고 돌아온 임동식은 충청남도 공주에서 삶의 터전을 다시 세운다. 원골마을에 정착하고 여러 해가 지나면서 임동식은 자연과 교감하며 체험하는 삶을 살아간다. 농경주의에 바탕을 둔 시골 마을 사람들의 태도에서 ‘공동체미술’의 가능성을 발견하였고 그들과 함께 《예술과 마을》 프로젝트로 발전시켜 나갔다. 이때 그가 가장 중요하게 생각한 것이 ‘예즉농 농즉예’라는 개념이었다. 그것은 ‘예술이 곧 농사요, 농사가 곧 예술’이라는 뜻이다. 예술과 마을1993년 봄에 원골로 입주했을 때 그는 “감나무 숲으로 둘러싸인 터에 맨손으로 손수 지은 작업장 25평. 터 잡기부터 시작해 건물골조-지붕공사, 벽면처리, 내장공사, 배수로-화단공사, 뱀이나 쥐에 대한 신경 쓰기-여름에 모기, 파리 대책, 겨울의 온돌방에 매일 군불 때기, 즉 인간생존의 1차 문제를 공부”한다고 생활 일기를 남겼다. 그는 「농경문화와 예술문화의 합생 ‘마을과 예술’ 새로운 예술이념」이라는 글에 그런 그의 삶과 예술의 이야기를 풀어 놓고 있다. 그가 작성한 《예술과 마을Ⅰ》의 선언문에는 이런 글이 있다. “인간은 자연으로부터 왔으며, 자연 가운데서 살다가 자연으로 돌아간다는 예로부터의 사상을 재확인하며, 예술에 있어서 농경문화와 자연미술을 합생시키려는 노력의 큰 서장을 연다. 즉, 농사는 천하의 근본이며, 농사가 예술이며 예술이 곧 농사임을 선언함과 동시에 수천, 수백 년 이래 산과 물 등 풍수조화에 적응하여 터를 일구어 이루어진 ‘농촌마을’을 살아있는 자연예술로 확인하며 그 인간적 분위기를 예찬한다. 또한 농민들에 의해 전래되어 온 풍습 등 문화적 사항, 즉 미술, 음악, 무용 등 주민들의 숨은 예술적 소양에 대한 발표의 장을 마련하여 사라져 가는 마을문화를 복원시키며, 주민 스스로가 자연미술 출품작가로 나서 그들 자신이 이미 자연미술가였음을 확인하는 대장을 연다.” 3. 관련 키워드 한국미술청년작가회, 꽃지해변, 자연미술, 자연미술가, 교감, 감응, 감흥, 야투(野投, YATOO), 금강 백사장, 금강현대미술제, 야투-야외현장미술연구회, 야투-자연미술연구회, 사계절연구회, 원골마을, 《금강에서의 국제자연미술전》, 금강자연미술비엔날레, 예즉농 농즉예, 예술과 마을, 공주, 한국자연미술가협회, 농경주의, 농경문화, 마을문화 작성일2025.10.31 강홍구 컬렉션 연구조사 가이드 글 | 박영선(사진·매체미학, 독립연구자·작가)작성일 | 2024.12.13 1. 사전 정보 현대미술가 강홍구(姜洪求, Kang Hong Goo, b. 1956– )는 한국 사회가 후기자본주의와 포스트모더니즘, 디지털 기술의 영향 아래 급변하기 시작하던 1990년대 중반부터 본격적인 창작 활동을 시작했다. 디지털 매체를 통해 당대 한국 현실 문제에 접근하는 작가들이 드물던 당시, 강홍구는 대중매체에 유통되는 시각 이미지들을 컴퓨터와 스캐너 등 각종 디지털 장치를 써서 재조직한 합성사진 연작을 발표해 주목을 끌었다. 이후 디지털 사진을 주요 매체로 하고 회화, 영상, 입체, 글쓰기 등 다양한 매체를 중첩적으로 활용하며 작업해 왔다. 2023–2024년에는 수묵적 방법을 현재화하는 새로운 회화 연작을 발표 중이다.강홍구 작가 연구에서는 세 가지 점이 기본적으로 고려될 필요가 있다. 첫째, 강홍구가 창작 활동 초기에 스스로를 ‘B급작가’라고 호명한 점이다. ‘B급작가’라는 표현에는 한국 사회의 역사적 조건과 개인적 현실에 발 디딘 ‘변방’의 작가로서 자신의 길을 가보겠다는 강홍구의 정치적·미학적 입장과 전략이 함축되어 있다. 이 전략은 이후 30년간 그가 수행한 도전적인 여러 작업들을 관류한다. 둘째, 강홍구의 예술 실천에서 디지털 사진이 중요해지는 맥락이다. 그는 디지털 사진 매체가 한편으로는 글로벌한 차원에서 당대성(contemporariness)을 생산하는 1차적이고 결정적인 ‘대중’ 시각 매체이고, 다른 한편으로는 서양미술사가 신화화한 고급미술의 문법으로부터 탈주해 변방으로부터의 미학적·정치적 발화를 시도할 여지가 많음을 간파하고, 디지털 사진을 주요 매체로 선택했다. 셋째, 강홍구는 자본주의, 포스트모던한 일상과 공간 변화, 대중문화와 농경문화, 디지털 사진과 그림의 관계에 대한 감각적 사유를 담은 다량의 글들을 집필해 왔다. 30여 년간 문화비평과 창작 개념이 동시에 담긴 많은 에세이를 여러 매체에 발표해 왔고, 자신의 모든 개인전 도록 서문을 직접 썼다. 10권의 단독 저서(작가 표현으로는 “대중적인 미술 소개서”)를 비롯한 다수의 공저 단행본이 출간되었다. 이 저작들은 그가 30여 년간 생산해온 시각 이미지 작품들과 교직되어 독특한 예술 실천의 장을 이룬다.강홍구의 예술 실천은 현재진행형이다. 때문에 작가 연구에서 대표작 위주의 접근 방식은 권하지 않는다. 강홍구의 창작 주제와 방법론이 구체적으로 어떤 계기에 따라 생성, 변화하는지를 살피고, 그 운동의 저변을 관류하는 작가적 태도와 사회정치적 입장에 접근하기 위해 시각예술 작품들과 저작들을 교차하며 연구할 필요가 있다. (본 가이드의 ‘4. 작가의 저작 목록’ 참고.) 강홍구, 「포스트모더니즘 연구―포스트모더니즘 미술의 기초이론을 중심으로」, 홍익대학교 대학원 서양화과 석사학위논문, 19901980년대 후반부터 한국 사회에 수입되어 현저한 영향을 미친 포스트모더니즘 담론을 연구한 강홍구의 석사 학위 논문이다. 포스트모더니즘의 발생, 개념, 인식론적 근거, 이데올로기적 성향 등을 모더니즘과의 관련 속에서 조망하고, 이질적 역사 발전 단계들이 중첩되어 있는 한국의 특수한 현실에 입각한 비판적 검토를 시도하고 있다. 1990년 전후 후기자본주의로 진입하는 한국 사회의 급격한 변화 속에서 강홍구가 모색한 작가적 대응의 이론적 단초를 찾을 수 있는 저작이다. 강홍구, 『강홍구 1996-2010』, 원앤제이갤러리, 20102010년 원앤제이갤러리에서 개최한 개인전 《그 집》에 맞추어 발간된 도록이다. 1996년부터 2010년까지 발표된 작품 도판들을 선별 수록했다. 대중매체에 떠돌아다니는 시각 이미지와 작가가 스캔한 이미지를 합성한 〈불〉, 〈나는 누구인가〉, 〈도망자〉 등 초기 연작들에서부터 디지털 사진기로 직접 촬영한 이미지를 재구성한 〈그린벨트〉, 〈한강시민공원〉, 〈드라마세트〉, 〈바다〉, 〈부산〉, 〈생선이 있는 풍경〉 연작, 도시 재개발 풍경을 다룬 〈오쇠리 풍경〉, 〈수련자/미키네 집〉, 〈사라지다〉 연작, 그리고 디지털 프린트 위에 페인팅과 드로잉을 더한 사진회화 연작 〈그 집〉에 이르기까지 15년간의 작업 흐름을 개관할 수 있다. 강홍구, 『강홍구 : 사람의 집—프로세믹스 부산: 부산 참견錄』, 고은사진미술관, 2013고은사진미술관의 연례 기획에 초대되어 2011년 6월 무렵부터 약 1년 반 동안 부산 산동네와 매축지의 생활공간을 찍은 사진들을 발표한 개인전 《사람의 집―프로세믹스 부산》 도록이다. 작가노트, 152개의 사진 도판, 작가와의 대화 등으로 구성되어 있다. 산동네와 매축지 마을 사람들이 생존하기 위해 지어야 했던 ‘건축가 없는 건축’, 생활상 필요에 따라 변형되며 중층적으로 형성된 문화적 공간의 유일무이한 경관을 기록하기 위해, 작가는 문화인류학적이라 할만한 태도로 접근하고 있다. (본 가이드 ‘2. 이해를 위한 배경 정보’의 ‘프록세믹스’ 항목 참고.) 작품들은 2013년에 고은사진미술관(3.2-5.9), 청주 우민아트센터(5.22-6.29), 서울 원앤제이갤러리와 트렁크갤러리(7.4-7.3)에서 순회 전시되었다. 강홍구, 『강홍구』, 한국현대미술선 036, 헥사곤, 20172017년 원앤제이갤러리에서 개최한 개인전 《안개와 서리》에 맞추어 발간된 도록이다. 10년간 촬영한 고양 신도시 개발 풍경 사진 파일을 포토샵으로 재구성한 〈안개와 서리〉 연작 외에 2012년 이후 발표된 사진회화 형식의 〈녹색연구〉, 〈서울산경〉, 〈언더프린트〉 연작의 작품 도판들을 선별 수록했다. 강홍구, 『집, 꽃, 마을—은평 뉴타운의 기억 강홍구 사진전』, 은평역사한옥박물관, 20212021년 은평역사한옥박물관에서 개최된 개인전 《집, 꽃, 마을···》의 전시 도록이다. 작가가 2002년부터 2020년까지 은평뉴타운 재개발 과정을 촬영한 사진들을 선별·수록했다. 사진들은 2000년 초 당시 촌락 중심으로 이루어진 농경사회의 공간적 구조가 남아있던 도시 변두리 마을들이 철거되고 고층 아파트 단지가 세워진 2020년까지 약 20년간의 풍경의 변화를 보여준다. 수록된 모든 사진은, 〈그 집〉 연작에서처럼 사진 파일을 가공하고 그 위에 페인팅과 드로잉을 덧입힌 것이 아니다. 모두 그 ‘이전’의, 즉 작품화되기 이전의 디지털 사진 이미지이다. 강홍구의 이전 작품들과 달리, 적극적 정보 재조직 작업을 거의 하지 않고 분절된 프레임들을 붙이는 정도로만 최소한으로 손질된 사진들이다(「은평뉴타운 2002-2021」, 《집 꽃 마을···》 전시 도록). 강홍구, 『신안 바다 2005-2022—강홍구 작품집』, 전남 신안군, 2023강홍구가 2005년부터 17년 동안 작업해 온 연작 〈신안 바다〉 중 선별한 작품 도판을 담았다. 수록된 작품들은 2022년 서울 원앤제이갤러리, 신안 저녁노을미술관과 암태창고미술관, 그리고 2023년 사비나미술관에서 세 차례의 개인전을 통해 발표되었다. 유년기를 보낸 고향 신안의 아름다운 풍광에 관한 생생한 기억, 그리고 개발과 관광 바람으로 변모한 현재 풍경의 기록 사이에서 생산되는 이미지들을 담고 있다. 작가는 해양 생물들의 삶과 죽음, 마을, 사람, 일 등 변방의 섬에서 영위되는 삶의 총체적 변화상을 인류학적 시선과 자신의 개인적 기억을 충돌/중첩시키며 바라본다. 신안군 섬 지도, 디지털 풍경 사진, 사진 프린트에 드로잉과 콜라주를 더한 이미지들로 구성되어 있다. 강홍구 외, 『강홍구: 어의도에서 은평뉴타운까지 30년, 강홍구의 작품세계』(eBook), 사비나미술관, 2023작가의 30년 창작활동에서 생산된 작품들과 전시 활동 자료 등 기록 전체를 500여 쪽에 걸쳐 정리한 책이다. 강홍구의 작품세계를 주요 시기별로 나누고 작가노트, 주요 작품 도판, 작품 개요와 비평문, 작가 연보 등을 수록했다. 모든 텍스트는 영역문을 덧붙였다. 현재까지 발간된 강홍구 연구 자료 가운데 가장 총괄적이고 체계적인 판본이라 할 수 있다. 한국문화예술위원회의 2022–2023 작가 조사-연구-비평 지원사업의 지원을 받아서, 사비나미술관이 발행했다. 온라인 서점에서 무료로 다운받을 수 있다. 2. 이해를 위한 배경정보 강홍구의 삶1957년 전남 신안군 지도읍에 속한 작은 섬 어의도의 소농 집안에서 출생하여 유년기를 보냈다. 이후 목포중고와 목포교육대를 졸업하고 6년간 미술 교사 생활을 한 뒤 홍익대 서양화과에 다시 입학했다. 재학 시 국내 포스트모더니즘의 본격적 발현으로 평가되는 그룹 ‘뮤지엄’(1987년 최정화, 이불, 고낙범, 홍성민, 명혜경, 노경애, 정승 등이 결성)의 기획전에 참여했다. 1988년 35세에 포스트모더니즘에 관한 연구논문으로 홍익대 대학원 서양화과에서 석사 학위를 받았다. 1996년 스스로를 ‘B급작가’로 호명하며 대중문화에서 소비되는 시각 이미지들을 재조직한 합성사진 연작을 발표했다. 이후 21세기 한국 자본주의 사회의 대중문화와 일상성, 도시화에 따른 생활공간 변화를 다층적으로 탐구한 디지털 사진 기반 이미지 연작들을 발표해 왔다. 2018–2020년까지 부산 고은사진미술관 관장을 역임했다. 2022–2023년에는 2005년부터 17년 동안 작가의 고향에 대한 유년 기억과 현실 풍경을 주제로 작업해 온 〈신안 바다〉 연작을 정리해서 세 차례의 개인전으로 발표했다. 2023–2024년에는 고향 신안의 구름과 바다를 현재화된 수묵적 방법으로 그리는 새로운 그림 연작 〈구름, 바다〉를 발표하고 있다. 포스트모더니즘강홍구는 1988년 홍익대 대학원 재학 시절, ‘한국 포스트모더니즘의 본격적 발현’으로 평가되는 ‘뮤지엄’ 그룹의 《U.A.O.》전에 참여했다. 1990년에는 포스트모더니즘을 연구한 석사 학위 논문을, 1995년에는 포스트모더니즘과 팝아트의 대표 작가인 앤디 워홀에 대한 소개서 『앤디 워홀―거울을 가진 마술사의 신화』를 단행본으로 발간했다. 그에게 포스트모더니즘은, 1980–90년대 한국 사회에서 소비자본주의가 본격화하던 격변기에 기존 모더니즘 미술 제도에 저항할 정치적·미학적 전략을 만들어가는 데 참조할 ‘대안의 한 가능성’으로서, 비판적으로 검토되어야 할 주요 사항이었다. 포스트모더니즘 담론과 실천은, 강홍구 작업의 축인 (‘B급작가’라는 언명에 함축된) 의도적 비속성, 서유럽 모던이 추구한 진리의 일원성에 대한 불신과 조롱에서 나오는 유희적·양가적·다층적·탈주적 태도, 한국적 전통과 서구 근현대 사이의 충돌에 대한 숙고, 소비사회의 일상성에 대한 집요한 관심 등을 이해하기 위해 1차적으로 검토할 필요가 있다. B급작가강홍구는 1996년부터 제작한 〈나는 누구인가〉, 〈도망자〉 등의 합성사진 연작을 발표하는 두 번째 개인전 《위치, 속물, 가짜》를 1999년 금호미술관에서 개최했다. 전시 리플릿에 쓴 글 「펄프 픽처」에서 그는 이렇게 말한다. “우리에게 필요한 것은 A급 미술이 아니라 B 아니면 C급 미술이다.” 그는 스스로를 B급미술을 하는 ‘B급작가’라고 불렀다. ‘B급작가’라는 자기 호명에는, 서구 중심 예술사에서 설정한 소수의 천재적 창조자 즉 ‘A급작가’ 신화와 모더니즘적 고급미술의 문법에서 탈주하여, 시각 이미지 생산자 또는 시각 정보의 재조직자로서 자신의 길을 가보겠다는 강홍구의 작가적 태도와 정치적·미학적 전략이 함축되어 있다. 이러한 ‘B급’ 전략은, 그가 자본주의 상품 논리에 따라 쉽게 사라져 버리는 광고사진과 영화 스틸을 비롯한 포르노 이미지·만화·낙서 등 비속한 시각 이미지들과 시각 정보를 재조직하거나, 대중의 평범한 일상을 둘러싼 생활공간의 변화에 관심을 갖고 디지털 사진을 주요 매체로 삼아 탐구해 온 그동안의 작업 과정을 관류한다. 일상, 일상성, 공간강홍구의 30여 년간의 작업 과정에서 소재와 사용 매체, 형식 면에서의 새로운 시도는 자주 발견된다. 하지만 초기 합성사진 연작에서부터 현재까지의 전체 작업에서 집요하게 다루어지는 가장 핵심적인 주제는 후기자본주의 사회에서의 ‘일상생활’ 또는 ‘일상성’이라 할 수 있다. 앙리 르페브르는 『현대세계의 일상성』에서 현대 세계를 ‘소비 조작의 관료사회’로 정의한다. 국가와 자본이 결탁한 익명의 관료적 자본주의 시스템에 의해, 현대인의 일상은 노동 시간과 그것으로부터 도피하기 위한 여가 시간으로 분리되고, 사회적 자아와 개인적 자아로 분열되며, 이 양자는 시스템에 의해 엄격하게 관리되고 최대한으로 상품화된다. 하지만 이러한 일상의 배후는 거의 의식되지 못한다. 정치적·상업적 광고가 선택의 자유와 행복이라는 환상을 부추기며 대중의 소비 욕구를 조작하는 장이 바로 현대인의 일상이자 현대세계의 일상성이다. 그런데 일상은, 그것을 비일상적으로 접근할 경우 은폐된 국가-자본 권력 관계의 역학이 폭로될 수 있는 변혁 가능성의 장이 되기도 한다. 강홍구는 이러한 일상의 양면성을 간파하고 일상 읽기와 일상 뒤집기와 낯설게 하기를 다층적으로 시도해 왔다. 그의 일상성 탐구는 도시 재개발과 인간-공간 관계에 대한 일종의 사회학적·인류학적 접근을 통해 심화된다. 디지털 사진강홍구에게 디지털 사진은 세계에 대한 파편적 시각 정보를 산출하고 그 정보를 수월하게 재조직할 수 있는 매체로서 기능한다. 중성적인 그러나 믿을 수 없는 대중 영상 이미지에 후반작업을 가함으로써, 자신의 개인적 시선을 최대한 효과적으로 개입시키려는 작가의 의도를 실행하기 위해 그는 디지털 사진을 선택했다. 따라서 그에게 디지털 사진은 전통적인 의미에서의 사진을 뜻하지 않는다. 2003년 개인전 《드라마 세트》 전시 도록에서 강홍구는 “사진을 찍고, 사진에 약간의 조작을 가하면서 내가 느낀 것은… 현실 자체의 죽음, 그러나 죽음이 아닌 다른 것으로 느껴지는 무엇이었다.”고 말한다. 이 죽음 아닌 다른 무엇은 자본주의적 교환가치를 생산하기 위해 이미지화된 사물, 즉 사용 가치의 구체적 맥락이 제거된 파편적이고 추상적인 상품 형식과 관련된다. 작가는 자신이 제작한 사진 이미지가 “파편화된 세계를 파편으로 보여주는 일종의 위장”일 뿐이며, 이 위장은 사진의 인증력을 비롯한 사진에 기반을 둔 모든 시각 매체들이 제공하는 정보에 대한 ‘불신’의 결과라고 생각한다. 강홍구의 이러한 매체적 입장은 후기자본주의 대중사회에서 ‘창조’가 아니라 ‘검색’, ‘재조직’, ‘충돌’, ‘쐐기박기’를 수행하는 ‘B급작가’의 미학적·정치적 전략에서 비롯된다. 도시 재개발한국에서 도시 재개발은 1976년 박정희 유신시대에 도시계획법과 별개로 추진법이 제정되어 그 강력한 법적 지지대를 갖게 되었고, 2000년대 들어 수도권 변두리를 비롯한 전국 군소도시에서 광범위한 도시 재개발이 진행된다. 강홍구는 2000년 전후부터 주로 서울 변두리 지역에 거주해오면서 도시화로 인한 도시 변두리 생활공간의 폐허화와 폭력적인 도시 재개발 현장을 목격하게 된다. 이 경험은 각 방법적 차이는 있지만 공간 파괴와 변화를 기록/기억하고 그 기이한 풍경의 배후를 탐구하는 일련의 작업들인 〈오쇠리 풍경〉, 〈미키네 집〉, 〈수련자〉, 〈사라지다―은평 뉴타운에 대한 어떤 기록〉, 〈그 집〉, 〈안개와 서리〉 등을 끌어가는 동력이 된다. 애초에는 전통적인 사진의 기록성에 기댄 작업을 할 생각이 없었으나, 원주민들이 지켜오던 농경문화의 공간 감각과 구조를 지닌 변두리 마을들이 도시 재개발 사업에 의해 순식간에 파괴되고, 원주민들은 세간조차 챙기지 못한 채 대부분 어디론가 쫓겨나가고, 그 대신 외지인들로 채워지는 비싼 고층 아파트 단지가 세워지는 충격적 풍경을 목도하면서 일단은 사진을 찍을 수밖에 없었다고 작가는 말한다. 강홍구는 지금도 진행 중인 은평뉴타운 재개발 과정을 2002년부터 2021년까지 기록한 사진들을 구역별로 정리하여 2021년 개인전 《집 꽃 마을···》에서 발표했다. 은평구 도시 재개발은 강홍구의 30여 년의 작업 과정에 있어 주제와 형식 면에서 가장 큰 영향을 미친 사건 중 하나로 추정된다. 이후 강홍구의 예술 실천에서 ‘우리 삶을 둘러싼 공간 탐구와 기록’이 큰 축을 이루게 된다. 프록세믹스(proxemics)‘공간사용법’, ‘공간학’이라고 번역된다. 강홍구가 도시 재개발을 다룬 일련의 연작들에 이어 인간의 생활공간 자체에 대한 진지하고 지속적 탐구를 수행하는 데 영향을 미친 개념으로, 문화인류학자 에드워드 홀이 저서 『숨겨진 차원』에서 제안했다. 홀에 따르면, 커뮤니케이션은 문화의 핵심이며 삶 그 자체인데, 서로 다른 문화는 노력하면 공유되거나 비슷해질 수 있는 것이 아니다. 문화가 다른 개인이나 집단은 동일한 감각자극에 대해 서로 다른 감각적 경험을 하게 되며, 인간이 만드는 건축물과 도시환경은 문화의 이러한 선택적 여과 과정이 표현된 결과물이다. 따라서 문화가 다르면 공간이 달라지고, 다른 공간은 다른 사람을 만들어낸다. 문화-공간-경험-사람 간의 순환적 상호작용 때문에 획일적 도시 재개발이나 문화통합은 많은 부작용을 낳는다. 인간을 포함한 동물은 자신의 문화적 패턴에 맞는 적절한 공간을 지키려는 욕구가 있는데, 도시건설과 재개발이 이 근본 욕구를 무시한 채 이루어진다는 것이다.강홍구는 2013년 개최된 《사람의 집―프로세믹스 부산》 전시 도록에서 사람의 집을 찍는다는 것은 “마을을 이루는 집들이 가지는 건축적 원초성, 혹은 공간을 사용하는 방식을 보여주겠다는 것”이라고 말한다. 2016년 개인전 《청주―일곱 마을의 도시》에서 청주라는 하나의 대도시를 ‘문화가 다른 일곱 개의 시골마을’로 기술·묘사하는 독특한 방법들, 그리고 2022–2023년에 발표된 〈신안 바다〉 연작의 전체 구성이 총체성을 띠는 측면 등을 프록세믹스의 맥락에서 읽을 수 있다. 연작 〈그 집〉2010년 원앤제이갤러리에서 개최된 동명의 개인전에 발표된 연작의 이름이다. 강홍구의 전체 작업 흐름에서 주목할 만한 형식적 변화를 보여준다. 이 연작에서 강홍구는 전국 각지의 재개발 현장에서 촬영한 디지털 컬러사진 파일을 흑백으로 전환하고 프레임을 이어 붙여 출력한 흑백사진 바탕 위에 사진 이미지를 따라서/지우면서, 포개면서/어긋나게 물감으로 색칠하며 그림을 덧그리는 방법을 썼다. 작가의 표현에 따르면 “사진을 기반으로 한 페인팅과 드로잉 이미지” 연작이다. 강홍구의 일관된 미학적 전략은, 통치의 장치 또는 지배이데올로기라는 배후에 의해 작동되는 사진 기반 대중적 시각 이미지의 공식적 사실성에 작가의 개인적·주관적 시선과 기억을 최대한 충돌시키려는 것이다. 〈그 집〉에서는 이 전략이 합성사진·디지털 사진 연작들에서처럼 디지털 이미지와 정보의 재조직이 아니라, 사진과 그림을 중첩시키는 형식적 시도를 통해 발현된다. 이 중층적 이미지들은 사진도 아니고 그림도 아닌 제3의 이미지로서, 사진과 회화의 매체적 특성들을 교차시키고 한편으로 그 틈새를 증폭시키며 탈주의 여백을 남겨둔다. 이 형식은 〈녹색연구 1, 2〉, 〈언더프린트〉, 〈서울산경〉, 〈신안 바다〉 연작에서 다양하게 변주되고 있다. 연작 〈구름, 바다〉2023년부터 발표 중인 새로운 그림 연작이다. 강홍구는 작가 경력을 회화로 시작했다. 그러나 당시 한국 현실에 대한 인식과 ‘B급’ 작가 의식에 따라 후기자본주의의 포스트모던한 대중문화와 부유하는 일상성을 다루기에 적합한 디지털 사진으로 주요 매체를 바꾸었다. 2010년부터는 사진과 회화 매체의 한계와 가능성을 동시에 숙고하며 중첩시키는 작업들을 본격적으로 해왔다. 2023년 개최된 개인전 《무인도와 유인도―신안바다Ⅱ》에서부터 고향 바다의 풍광을 담은 (사진이 개입되지 않은) 그림 연작 〈구름, 바다〉를 일부 발표하기 시작했다. 2024년 원앤제이갤러리에서 열린 개인전 《구름, 바다, 무인도》의 발표작들은 거의 전부 〈구름, 바다〉 연작에 속한다. 면으로 만든 캔버스, 아크릴릭 물감과 물을 매체로 수묵적 방법을 현재화하여 고향 풍광에 관한 유년의 기억과 함께 유동하는 신안 바다와 구름의 기운생동을 그려내고 있다. 3. 관련 키워드 B급작가, 변방, 한국적 근대성과 전통, 뮤지엄 그룹, 《U.A.O.》전, 포스트모더니즘, 팝아트, 포스트모던 리얼리즘, 포럼A, 신자유주의와 소비사회, 상품화, 대중매체와 대중문화, 시뮬라크르, 합성사진, 키치, 디지털 사진, 이미지와 정보의 재조직, 유희성/양가성/탈주, 일상성과 공간변화, 포스트모던 사회학, 도시 재개발과 농경문화, 마을, 프록세믹스, 사진적 기록과 개인적 기억, 카메라 아이, 수묵산수와 풍경 작성일2024.12.13 Research Guide for the Jung Jungyeob Collection Author | Yang Jungae(Minjung Art, independent researcher)Publication date | 2024.12.13 1. Preliminary Information Jung Jungyeob (b.1962-) is a prominent Korean feminist artist who addresses the reality of women’s lives as well as labor and ecological issues both through her work and personal life. Jung’s portfolio since the 1980s is characterized by its diverse range of formats—paintings, drawings, installations, and performances, underpinned by a feminist and ecological perspective. Her key work, the Grain series, represents the anonymized lives of women and their invisible labor through beans and wild greens. In other works, Jung contemplates minority through animals and plants under the threat of extinction; she further explores the value of life through bugs and moths, alienated and vulnerable creatures that coexist with humans. In addition to empathizing and resonating with women’s daily lives and the aesthetics of housekeeping, Jung’s work showcases women’s solidarity, friendship, and hospitality, apparent in her relationships with women she met on the road of life. Jung’s body of work as an artist is well-documented in catalogs accompanying her major solo exhibitions.Jung’s artistic practice is grounded on her trajectory of life which saw her labelled a feminist and Minjung artist. Throughout the 1980s and 1990s, she participated in the artist collective Dureong as well as the Incheon-based local culture clubs Ilson Naneum and Gaetggot, as part of the Minjung Art and cultural movements, which were oriented towards labor activism. During the same period, she also spearheaded the women’s art movement, participating in Teo, a group composed of alumnae from the College of Fine Arts at Ewha Womans University; Women’s Art Research Association; and the feminist artist project group Ipgim. A comprehensive understanding of Jung’s art thus requires addressing not only her artworks as objects but also herself as an activist engaged in social participatory works centered around labor, women, and ecology. The following references are notable for this end. Korean contemporary art book 002: Jung Jungyeob (Hexagon, 2011)Published for the solo exhibition Off Bean (Gallery SKAPE, 2011), this catalog covers Jung’s body of work from the 1990s until the early 2000s. It includes images of major works from the ‘Off Bean,’ ‘Red Bean,’ and ‘Grain’ series, along with critiques by Kim Yunkyung (“The Beauty of the Raw”), Kang Sujeong (“Red Bean on My Forehead”), and Im Minhui (“Jung Jungyeob’s Beans—Paintings in Search of a Path, an Untamed Life”). History of My Workroom Transition 1985-2017 (Hexagon, 2018)This collection of drawings was published as part of the #쓸데없이아이처럼 (lit. “#useless_childlike”) project, which was part of the 2018 solo exhibition History of My Workroom Transition 1985-2017 held at LEESANGWON Museum of Art in Chuncheon. It includes thirty-three drawings that condense a year between 1985 and 2017 into a piece of text and image. The drawings depict more than fifteen various workspaces as Jung moved from one to another, from her first studio in Hyehwa-dong, which she rented right after graduating college in 1985, to her 2017 studio in Mirinae, Anseong. The works testify not only to Jung’s artistic trajectory but also to social events intertwined with her personal life; practical artworks such as geolgae geurim (hanging paintings) and print works were a mainstay of the 1980’s democratic movement, while other drawings provide insight into Jung’s art movement through group actions. These records of the Jung’s three decades of transition between workrooms constitute a valuable resource into how a woman artist struggled to persist in Korean society. Jung Jungyeob: The First Dinner—The 4th recipient of the Goam Art Award (Leeungno’s House: Goam Leeungno Birthplace Memorial Museum, 2019)This catalog accompanies Jung Jungyeob: The First Dinner, an exhibition organized to celebrate the 4th Goam Art Award in 2019. Reflecting the wide span of the exhibition, covering three decades of the artist’s practice, the catalog includes major works from each period, ranging from Jung’s early woodprint work of the 1980s to the recent ‘The First Dinner’ series. Art critic Lee Yoonhee’s essay “On The First Dinner by Jung Jungyeob” introduces Jung’s key works alongside her trajectory, providing a faithful commentary to ‘The First Dinner’ series. Also included are Lee Byunghee’s critique “Modal Aesthetics in Jung Jungyeob’s Work” and Kim Hyesoon’s poem “Red-Bean Handstand.” Silent Uproar (Seoul Botanic Park, 2021)Publication for the 2021 solo exhibition Jung Jungyeob: Silent Uproar held at Seoul Botanic Park. Among Jung’s various body of work from the 1990s until 2021, this catalog focuses on works tat engage life and vitality. The first part, “Aesthetics of Housekeeping,” displays works with underlying feminist perspectives, such as the ‘Spring Herbs’ series. The second part, “Seed of Life,” focuses on the representative ‘Grain’ series; finally, “The Problem of Coexistence” includes works that address the environment and coexistence, such as the ‘Bugs’ series. Walking on the Moon (Art Center White Block, 2021)This catalog, published alongside Jung’s 20th solo exhibition of the same title organized by Art Center White Block, is centered around portrait works depicting contemporary women who have communed with the artist. Major work series presented here include ‘Walking on the Moon,’ ‘Face-Scape 2: Eleven Portraits,’ ‘Red Drawings,’ and ‘Word Play’; also included are Kang Sung-eun’s essay “From a Dead Bird” and “People who paint: Dialogue between Jang Pa and Jung Jungyeob.” Min-jung-mi-sul, Yeog-sa-leul Deud-neun-da 2 (lit. “Listening to Minjung Art’s History 2,” Hyunsilmunhwa A, 2021)This collection of critiques consists of ten conversations between pairs of artists and researchers about the activities of small art movement groups and the progress of the Minjung Art movement surrounding the establishment of the Korean People’s Artists Association in 1985. Jung’s conversation with Yang Jungae is entitled “Jung Jungyeob: The Inevitability of Living Becoming Art.” The dialogue provides a window, through the artist’s own words, to her practice which has focused on women’s labor and identity while stemming from Minjung Art’s tendencies, through activities including Dureong, Ilson Naneum, the Incheon-based Gaetggot, the Ewha University-based Teo, Women’s Art Research Association, and Ipgim. Kim, Hyeonjoo, “Solidarity and Art Practice as Involvement of ‘Feminist Artists Group IPGIM’”, Art History Forum, vol. 42 (Center for Art Studies, Korea, 2016)This study offers an academic analysis of Ipgim, the feminist artist group in which Jung participated, and its diverse projects within the contexts of Korean contemporary art, especially feminist art, and art in a global age. It surveys Ipgim’s founding process as well as the group’s characteristics and aesthetics, in addition to providing detailed information about key projects such as Abanggung: Occupy Jongmyo Project, Missing Women, and Island-Survivor. Park, Eun Been, “A Study on Jung Jung-Yeob’s Feminism Art” (Thesis: Department of Art Theory, The Graduate School, Hongik University, 2019)This thesis paper highlights Jung from the perspective of women’s art, providing the first dedicated research on Jung’s overall life as well as her most recent exhibitions and works. It contains interpretations and working processes revealed through interviews with the artist. Notably, it provides an academic analysis on Jung’s recent works, including the post-2010s ‘Mirrors’ and ‘Square’ series. 2. Background Information Personal LifeBorn in 1962 in Gangjin, Jeollanam-do, Jung Jungyeob graduated from the College of Fine Arts at Ewha Womans University in 1985. Immediately after graduation, Jung joined the Minjung Art group Dureong, which was oriented towards field activism. In 1986, she found employment at Bupyeong Industrial Complex and later participated in Ilson Naneum, a cultural group that supported labor movements, before joining the Incheon-based art group Gaetggot, where she produced diverse field-based artworks such as geolgae paintings, flag paintings, murals, prints, and illustrations. As a woman artist, Jung explored methods of social participation and was also actively engaged in the Ewha alumna group Teo, the Women’s Art Branch within the Korean People’s Artists Association (later renamed to Women’s Art Research Association), and the feminist artist project group Ipgim.In the 1990s, Jung began to focus on her personal artistic career, holding her first solo exhibition Living Merging with Life at 21C Gallery in 1995. Since then, she has showcased a wide range of works centered around women’s reality, labor, ecology, and social justice through more than twenty solo and group exhibitions. Jung’s second solo exhibition at Kumho Gallery was the first occasion that featured her major series of work, ‘Red Bean’ and ‘Grains.’ In the 2006 exhibition Be Erased at Arko Art Center, Jung reflected on the experiences of minorities such as anonymized Asian women and animals and plants under the threat of extinction. The 2016 exhibition Bugs at Gallery SKAPE saw Jung explore living beings that coexist with humans, echoing the seeds she had sown over the years. The 2019 solo exhibition The First Dinner brought together key figures in Korean feministdiscourse and Jung’s acquaintances to a dinner table, highlighting labor and action as central themes. Throughout her career, Jung has oscillated between personal artistic pursuits and group activities, which have contributed to her ongoing role as an artist within society. Jung’s involvement in various projects, including the Yellow Sea Art Festival from 1998 to 2016, the Oasis Project, which proposed a new art movement through artistic squatting projects, the anti-nuclear artist collective Hack Mong (lit. “Delusions of Nuclear Power”), and Seacoast Environmental Art Action, demonstrates her commitment to social causes.As Jung continued her solo and collaborative work through the mid-1980s and later, in the places of contradictions within Korean society, her artistic practice has been recognized for bridging micro- and meta-discourse. She was included in Korea Culture and Arts Foundation’s Selected Korean Art of the Year 2001 and was awarded the 4th Goam Art Award in 2018, the 13th Gender Equality Award by the Woman & Culture In Network in 2020, and the 34th Lee Jungseop Award in 2022. She was selected as Kiaf SEOUL 2023’s HIGHLIGHT artist and one of Gyeonggi-do’s Women Figures of the Year in 2024. Jung’s works are part of collections at institutions including Fukuoka Asian Art Museum, National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea, Seoul Museum of Art, Gyeonggi Museum of Modern Art, Gwangju Museum of Art, Arko Art Center, Museum of Contemporary Art Busan, Suwon Museun of Art, and Cheongju Museum of Art. Art collective DureongLaunched through the 1983 Pre-Inaugural Exhibition at Aeogae Theater and the 1984 Inaugural Exhibition at Kyung-In Museum of Fine Art, Dureong is an important Minjung Art group that organized cultural actions through collaborations with labor unions. In 1987, the group split into Bat-Dureong, which focused on labor activism, and Non-Dureong, which focused on supporting actions based in Seoul; it later expanded into regional and sectoral art movements. After being inspired by Dureong’s 1983 Pre-Inaugural Exhibition, Jung deliberated for two years before officially joining the group in 1985—just after graduating from college. As Dureong evolved and split into its two factions, Jung became involved with Bat-Dureong, securing a job at a factory in Incheon’s Bupyeong Industrial Complex where she was active for ten months. Ilson NaneumFounded in 1987, Ilson Naneum was an Incheon-based curatorial group focused on worker’s culture from 1987 to 1988. Its goal was to culturally support labor unions through various activities; Jung was in charge of the arts chapter. The group’s activities included cultural actions in support of significant events, including the 1987 June Uprising and Great Worker Struggle. They also supported the establishment of labor unions. The organization merged with the samul nori crew Hangwangdae and Gaetggot in April 1988; it later evolved into Urimunhwasaranghoe (lit. “Society for the Appreciation of Our Culture”). Gaetggot Gaetggot (1987-1992) is an acronym that translates to “flowers blooming in the mudflat,” where mudflat represents Incheon and the flowers symbolize culture emerging from barren soil. The art group originated from Work-Painting Club, a Minjung cultural organization which supported labor movement in 1986, and came into full swing as Jung joined along with Ilson Naneum. The organization produced geolgae paintings, prints, and flag paintings for demonstrations and supported cultural programs for labor unions needed during strikes. Jung contributed to a notable mural, Handok Metal Democratic Labor Union (1988), created in collaboration with Lee Sung-gang of Ganeunpae. This collaborative effort involved coloring the mural on the outer walls of the factory in Bupyeong Industrial Complex, where workers joined them. This work holds significance as it is considered one of the first documented labor murals in Incheon. TeoTeo is an artist group organized for a subjective art practice based on women’s lives. Its members consisted of Jung Jungyeob, along with her 1981 classmates from the College of Fine Arts at Ewha Womans University: Gu Seonhoe, Kim Minhui, Sin Gayeong, Lee Gyeongmi, and Choe Gyeongsuk. The group’s inaugural exhibition was held in 1985 at Ewha Gallery. Over the next seven years, four member exhibitions took place until 1992. In addition to these exhibitions, the group participated in a range of activities, affiliating with Women’s Art Research Association and Korea Women’s Association United, and participating continuously in the Women and Reality exhibition series. Women’s Art Research Association Women’s Art Research Association (WARA, 1986-1994) was first established as the Women’s Art Chapter affiliated with the Korean People’s Artists Association. WARA was founded by Siwol Gathering, a group of artists including Kim Insoon, Kim Jinsook, and Yoon Suknam, along with Teo, in 1986. In 1988, the organization was renamed to WARA in order to solidify its identity of investigating women’s issues through art. The group showcased its artistic practice through the annual Women and Reality exhibition series and touring exhibitions in Korea. During this period, it also collaborated with various groups, including the activist painting group Doongji (1987) and cartoon group Miyal (1988), to women’s social activism in the field, creating education material for women workers and farmers. Its members include Kim Insoon, Yoon Suknam, Park Youngsook, Kim Jongrye, Min Hyesook, Jung Jungyeob, Rhu Junhwa, Kwak Eunsook; one notable collaborative work is Forward As One Until the Dawn of Liberation! (1987). IpgimFounded in October 1997, during a period of heightened feminist cultural movements in South Korea, Ipgim adopted a feminist identity and developed an artistic practice focused on gender equality from the early 2000s onwards. The name “Ipgim” literally means “breath” and refers to the group’s intention to bring about change by infusing a positive breath into society, shared by women who are concerned about social issues. Its founding members included eight women in their thirties at the time: Jung Jungyeob, Kwak Eunsook, Kim Myungjin, Rhu Junhwa, Woo Shinhee, Yoon Heesu, Je Miran, and Ha Insun. Some notable projects by the group include the 2000 Abanggung: Occupy Jongmyo Project which subverted Jongmyo, a symbolic place of patriarchy, into the site of a women’s art festival, rebelling against Confucianist rigorism; Missing Women; and Goddess Within Us. 3. Related Keywords Housekeeping, Jipsaram, Grains, Red Bean, Bean, Bugs, Life, Mirrors, Square, Candlelight, Festival, Outpouring, Face-Scape, History of My Workroom Transition, The First Dinner, Word Play, skirt performance, women’s art, feminism, feminist, Teo, Women’s Art Research Association, Women and Reality, Ipgim, Abanggung: Occupy Jongmyo Project, Yoon Suknam, Park Youngsook, woodblock print, geolgae painting (hanging painting), flag painting, mural painting, Minjung Art, Labor Art, cultural movement, Dureong, Ilson Naneum, Gaetggot, Incheon Artist Union, Yellow Sea Art Festival, Korean People’s Artists Association, Artists’ Conference, squatting, Oasis Project, ecologism, anti-nuclear (post-nuclear), Hack Mong (Delusions of Nuclear Power), ecofeminism 작성일2024.12.13 정정엽 컬렉션 연구조사 가이드 글 | 양정애(민중미술, 독립연구자)작성일 | 2024.12.13 1. 사전 정보 정정엽(鄭貞葉, Jung Jungyeob, b.1962- )은 한국의 대표적인 여성주의 미술가로 여성의 현실, 노동과 생태 문제를 자신의 삶과 작품 세계 안에서 지속적으로 다루어 오고 있다. 1980년대부터 여성주의, 생태주의적 시각을 바탕으로 회화뿐 아니라 드로잉, 설치, 퍼포먼스 등을 넘나들며 다양한 형식의 작품을 선보이고 있다. 그의 대표작 ‘곡식’ 시리즈는 팥과 콩, 나물 등을 주요 소재로 익명화된 여성의 삶과 보이지 않는 노동을 대변하고, 멸종 위기에 처한 동 ·식물들을 통해 소수에 대한 성찰을, 벌레와 나방 등 인간과 공존하며 살아가는 소외되고 연약한 존재들을 통해 생명력의 가치를 탐색한다. 여성들의 일상과 살림의 미학에 공감하고 반응하는 작업에서 나아가, 삶을 여행하며 길 위에서 만난 여성들과의 관계를 통해 여성들의 연대와 우정, 환대를 작품 안에서 보여준다. 이러한 정정엽의 예술가로서의 작품 세계는 주요 개인전과 함께 출간된 작품집들에 잘 정리되어 있다.정정엽의 예술 작업의 근간에는 페미니스트이자 민중미술가로 호명되어 온 삶의 궤적이 있다. 1980-1990년대에는 미술 동인 ‘두렁’과 인천 지역 문화 소모임 ‘일손나눔’, ‘갯꽃’ 등을 함께하며 노동 현장 지향의 민중미술 및 문화운동에 몸담았으며, 동시에 이화여자대학교 서양화과 동문 그룹 ‘터’와 ‘여성미술연구회’(여미연), 페미니스트 아티스트 프로젝트 그룹 ‘입김’ 등의 활동도 병행하며 여성미술운동을 이끌었다. 따라서 정정엽의 예술 세계를 온전히 이해하기 위해서는 오브제로서의 예술 작품뿐 아니라, 이러한 ‘노동’, ‘여성’, ‘생태’ 등을 키워드로 사회 참여적 작업을 해온 활동가로서의 면모까지 파악할 필요가 있다. 이와 관련하여 살펴볼 수 있는 주요 참고 자료들은 다음과 같다. 헥사곤, 『한국현대미술선 002: 정정엽』, 20112011년 갤러리 스케이프(서울)에서 개최한 개인전 《Off-bean》에 맞추어 발간된 작품집으로, 1990년대에서 2000년대 초반에 이르는 작품 세계를 살펴볼 수 있다. ‘Off bean’, ‘Red bean’, ‘곡식(Grain)’ 시리즈의 주요 작품 이미지와 김윤경(「날 것의 아름다움」, 강수정(「내 이마 위에 붉은 팥」), 임민희(「정정엽의 ‘콩’—길을 찾는 그림, 길들여지지 않은 삶」)의 평론 등이 수록되어 있다. 헥사곤, 『나의 작업실 변천사 1985~2017』, 20182018년 이상원미술관(춘천)에서 개최한 개인전 《나의 작업실 변천사 1985~2017》에서 진행한 ‘#쓸데없이 아이처럼 프로젝트’의 일환으로 제작된 드로잉 작품집으로, 1985년에서 2017년까지 1년을 한 장의 글과 그림으로 압축한 33점의 드로잉이 실려 있다. 1985년 졸업과 동시에 서울 혜화동에 마련한 첫 작업실을 시작으로 2017년 안성 미리내 작업실에 이르기까지 15여 차례 이사를 다니는 동안 다양한 여건의 작업실 변화상이 드로잉 안에 담겨 있다. 정정엽 작가의 작품 세계의 변화 과정 외에도 작가의 개인사와 얽힌 사회적 사건까지 확인할 수 있는 작품들로 구성되어 있으며, 그중에는 1980년대 민주화운동의 한 축을 담당한 실천적인 그리기 작업(걸개그림, 판화 등)과 그룹 활동을 통해 미술운동을 전개했던 시기를 살펴볼 수 있는 드로잉들도 포함되어 있다. 32년에 걸친 작가의 작업실 변천사를 따라가며 한 여성 예술가가 우리 사회 속에서 어떻게 고군분투하며 작업을 이어 갔는지를 추적해 볼 수 있는 중요한 자료이다. 고암이응노생가기념관, 『(제4회 고암미술상 수상작가) 정정엽: 최초의 만찬』, 20192019년 제4회 고암미술상 수상작가 기념전으로 개최한 《정정엽: 최초의 만찬》 전시 도록이다. 전시에서 30여 년에 이르는 작가의 작품 세계를 망라한 만큼, 도록을 통해 1980년대 초기 목판화 시리즈부터 근작 ‘최초의 만찬’ 시리즈에 이르기까지 시기별로 선별된 대표작들을 살펴볼 수 있다. 작품 이미지와 함께 수록된 미술평론가 이윤희의 글 「정정엽의 〈최초의 만찬〉에 대하여」는 정정엽의 시기별 대표작들을 그가 걸어온 길과 함께 엮어 소개하면서, ‘최초의 만찬’ 시리즈에 대한 충실한 해제를 담고 있다. 이 외에도 이병희의 평론 「정동의 전환기, 정정엽의 호흡—여자와 여성성의 긴장과 운동」과 김혜순의 시 「물구나무 팥」 등이 실려 있다. 서울식물원, 『조용한 소란』, 20212021년 서울식물원 초대로 개최한 개인전 《정정엽: 조용한 소란》 도록으로, 1990년대부터 2021년까지 30여 년간 다양하게 변주된 작품들 중 ‘생명’과 ‘생명력’을 다룬 작품들을 집중적으로 살펴볼 수 있다. 첫 번째 주제 ‘살림의 미학’에서는 ‘봄나물’ 시리즈를 포함한 여성주의적 시각이 깃든 작품들을, 두 번째 주제 ‘생명의 씨앗’에서는 대표작 ‘곡식’ 시리즈를, 세 번째 주제 ‘공존이라는 문제’에서는 ‘벌레’ 시리즈를 포함하여 환경과 공존에 대해 다룬 작품들을 싣고 있다. 작품 이미지, 작가 약력과 함께 실린 기획자 정수미의 글 「정정엽: 조용한 소란」과 평론가 이병희의 글 「식물정동—예술과 동맹하는 식물의 정동정치」가 작품의 이해를 돕는다. 아트센터 화이트블럭, 『걷는 달』, 20212021년 아트센터 화이트블럭 초대로 개최한 20번째 개인전 《정정엽: 걷는 달》 도록으로, 동시대를 살면서 작가와 교감해 온 ‘여성의 초상’을 중심으로 한 작품들을 주로 살펴볼 수 있다. ‘걷는 달’, ‘얼굴 풍경 2: 11명의 초상’, ‘붉은 드로잉’, ‘낱말놀이’ 시리즈들이 주요 작품으로 소개되고 있으며, 기획자 강성은의 글 「죽은 새로부터」, 정정엽과 장파의 대화 「그리는 사람들」이 실려 있다. 현실문화A, 『민중미술, 역사를 듣는다 2』, 20211985년 민족미술협의회 결성을 전후한 소집단 미술운동의 활동 양상과 민중미술운동의 진행 상황에 대해 정정엽을 포함한 10명의 작가가 매칭된 연구자들과 함께 진행한 대담이 담긴 비평서이다. 이 중, 정정엽과 연구자 양정애가 나눈 대담이 「정정엽, 살아온 내력이 작품 되기의 당연함」이라는 소제목으로 수록되어 있다. 미술동인 ‘두렁’ 활동을 비롯하여, 노동운동을 지원하는 문화 소모임 ‘일손나눔’을 거쳐 인천 미술패 ‘갯꽃’, 이화여대 ‘터’ 그룹, ‘여성미술연구회’, ‘입김’ 등의 활동을 병행하면서 민중미술의 경향으로부터 여성의 노동, 여성의 정체성에 집중하며 작품 활동을 해온 과정을 작가의 육성 기록을 통해 살펴볼 수 있다. 김현주, 「페미니스트 아티스트 그룹 ‘입김’의 개입으로서 연대와 예술실천」, 『미술사논단』, 2016정정엽이 활동한 페미니스트 아티스트 그룹 ‘입김’의 다양한 프로젝트의 의미를 한국현대미술, 특히 한국의 페미니즘미술과 글로벌 시대 미술의 맥락에서 학술적으로 분석한 논문이다. ‘입김’ 결성 과정부터 그룹의 성격과 미학을 살펴볼 수 있으며, ‘입김’의 주요 활동 중 ‘아방궁 종묘 점거 프로젝트’, ‘사라지는 여자들 프로젝트’, ‘섬-생존자 프로젝트’ 등을 집중적으로 소개하고 있다. 박은빈, 「정정엽 여성미술 연구」, 홍익대학교 대학원 예술학과 석사학위 논문, 2019작가 정정엽에 대해 ‘여성미술’ 관점에서 조명한 학위논문으로, 정정엽의 전반적인 삶과 가장 최근의 전시 및 작품까지 다룬 첫 번째 단독 연구이다. 작가와의 인터뷰를 통해 밝혀낸 작품의 의미와 제작 과정 등을 수록하고 있으며, 특히 2010년 이후 진행한 ‘거울’ 시리즈와 ‘광장’ 시리즈 등 최근 작업들도 아우르며 학술적 관점에서 다루고 있는 점이 특징이다. 2. 이해를 위한 배경정보 정정엽의 삶1962년 전라남도 강진에서 출생한 정정엽은 이화여자대학교 서양화과에 진학하여 1985년 졸업하였다. 졸업과 동시에 현장 지향 민중미술 그룹 ‘두렁’의 동인으로 활동하였다. 1986년 부평공단에 취업, 이후 노동운동을 지원하는 문화 소모임 ‘일손나눔’을 거쳐, 인천 미술패 ‘갯꽃’ 활동을 하며 다수의 현장 작업—걸개그림, 깃발그림, 벽화, 판화, 삽화 등—을 남겼다. 여성미술가로서의 현실 참여를 모색하는 입장에서 정정엽은 이화여자대학교 동문그룹 ‘터’, 민족미술협의회 여성미술분과 모임(1988년 ‘여성미술연구회’로 명칭 변경), 페미니스트 아티스트 프로젝트 그룹 ‘입김’ 등의 그룹 활동에도 적극적으로 참여하였다.1990년대에 접어들어 개인 작업에 집중하면서, 1995년 이십일세기화랑에서 첫 개인전《생명을 아우르는 살림》을 열었다. 이를 시작으로 이후 20여 회 이상의 개인전과 다양한 기획전을 통해 여성의 현실과 노동, 생태 문제를 주요 주제로 다룬 작품들을 선보여왔다. 1998년 금호미술관에서 열린 두 번째 개인전에서 처음으로 그의 대표작이라 할 수 있는 붉은 팥과 곡식 작업들을 발표했다. 2006년 아르코미술관 기획초대전 《지워지다》에서는 아시아의 익명화된 여성들, 멸종 위기에 처한 동식물 등 소수에 대한 성찰을 보여주었다. 2016년 《벌레》(갤러리 스케이프)전에서는 그동안의 씨앗들이 발아하듯 인간과 공존하고 있는 생명들을 탐색하였다. 2019년 개인전 《최초의 만찬》에서는 한국 사회에 페미니즘을 화두로 던진 인물들과 그녀가 만난 주변의 인물들을 만찬 자리에 초대하는 작업으로, 노동과 행위 주체를 전면으로 불러내었다. 정정엽은 이러한 왕성한 개인 작업 사이에도 단체활동을 유기적으로 왕복하며, 사회 속에서 예술가의 역할을 필요로 하는 현장에서 현재진행형으로 제 역할을 해오고 있다. 1998년부터 2016년까지 참여한 《황해미술제》 활동, 예술점거 프로젝트(스쾃)를 통해 새로운 예술운동을 제안한 ‘오아시스 프로젝트’와의 협업, 탈핵 작가 모임 ‘핵몽’ 활동, 연안환경미술행동 등도 그러한 실천의 일부이다.1980년대 중반부터 지속적으로 한국 사회의 모순이 분출하는 현장에서 개인 작업과 공동 작업을 진행하며 미시 담론과 거대 담론을 아우르는 예술적 실천을 보여주는 작가로 평가되면서, 2001년 문예진흥원 ‘올해의 한국미술선’에 선정되었고, 2018년 ‘제4회 고암미술상’, 2020년 ‘양성평등문화인상’, 2022년 ‘제34회 이중섭미술상’을 수상하였다. 또한 2023년 ‘키아프 서울 아트페어’에서 하이라이트 작가로 선정되었으며, 2024년에는 ‘(경기도를 빛낸) 올해의 여성인물’ 중 한 명으로도 선정된 바 있다. 후쿠오카아시아미술관, 국립현대미술관, 서울시립미술관, 경기도미술관, 광주시립미술관, 아르코미술관, 부산현대미술관, 수원시립미술관, 청주시립미술관 등에 주요 작품이 소장되어 있다. 미술동인 ‘두렁’1983년 《창립예행전》(애오개소극장)을, 1984년 《창립전》(경인미술관)을 펼치며 출범한 미술동인 ‘두렁’은 1980년대 노동조합들과의 연계 속에서 문화운동을 펼친 대표적인 민중미술 그룹 중 하나이다. 1987년 ‘밭두렁’, ‘논두렁’으로 분화된 뒤 이후 각 지역 및 부문 미술운동으로 산개하였다. 정정엽은 1983년 ‘두렁’의 《창립예행전》을 관람하고, 2년간의 고민 끝에 대학을 졸업하던 1985년부터 공식적으로 ‘두렁’에 가입하면서 활동을 시작하였다. 1987년 ‘두렁’이 ‘밭두렁’(노동운동 현장)과 ‘논두렁’(서울에서의 지원)으로 산개할 때, 정정엽은 노동운동 현장을 맡아 인천 부평공단 공장에 취업하여 10개월간 노동 현장 활동을 하였다. 일손나눔1987년 결성된 ’일손나눔’(1987-1988)은 노동조합의 문화적 지원을 목표로 한 인천의 노동자문화 기획 조직으로, 정정엽은 미술 부분을 맡았다. 1987년 6월 항쟁과 노동자대투쟁에 문화 활동을 지원하고, 노동조합 설립을 지원하는 미술 활동을 전개하였다. 1988년 4월, 한광대 산하, 갯꽃 등으로 조직을 합치면서 이후 ‘우리문화사랑회’로 발전하였다. 갯꽃‘갯꽃’(1987-1992)은 ‘갯벌에 피는 꽃’을 줄인 말로, 인천을 상징하는 갯벌이자 척박한 맨땅에 문화라는 꽃을 피우자는 의미를 담아 출발한 인천의 미술패이다. 1986년 노동운동을 지원하던 민중문화 단체 ‘일 그림 동인’이 모태이며, 1987년 ‘일손나눔’의 정정엽이 합류하면서 본격적으로 ‘갯꽃’ 활동이 시작되었다. 노동자 투쟁대회 등에 필요한 걸개그림, 판화, 깃발그림 등을 제작하고, 파업 기간 중 현장에 필요한 노동조합의 문화 프로그램을 지원했다. ‘갯꽃’의 정정엽과 ‘가는패’의 이성강이 밑그림을 노동자들과 함께 채색하는 방식으로 부평공단 공장 외벽에 공동 창작한 〈한독민주노조〉(1988) 벽화는 인천 최초의 노동벽화로 기록되고 있다. 터‘터’ 그룹(1985-1992)은 이화여자대학교 서양화과 81학번 동기 정정엽, 구선회, 김민희, 신가영, 이경미, 최경숙으로 구성된 여성미술가 그룹으로, 여성의 삶을 기반으로 한 주체적인 미술 활동을 위해 결성되었다. 1985년 이화갤러리에서 《창립전》을 연 이후, 1992년까지 총 4회까지 동인전을 개최했다. 동인전과 더불어 여성미술연구회, 여성단체연합과 결합, 《여성과 현실》전에도 지속적으로 참여하는 등 다양한 활동을 하였다. 여성미술연구회여성미술연구회(1986-1994)는 1986년 ‘시월모임’(김인순, 김진숙, 윤석남)과 ‘터’ 그룹이 결성한 민족미술협의회 산하의 여성미술분과에서 시작된 단체로, 미술을 통해 여성 문제를 탐구한다는 정체성을 분명히 하기 위해 1988년 ‘여성미술연구회’(여미연)로 개칭하며 본격적으로 활동을 시작하였다. 《여성과 현실》 연례전(1987-1994)과 전국 순회전을 펼치며 작품 창작 활동을 선보였으며, 동시에 ‘여미연’ 소그룹 그림패 ‘둥지’(1987)와 만화패 ‘미얄’(1988)과 여성 사회운동 현장 지원 작업에 협력하며 여성 노동자, 여성 농민들의 교육 자료를 만들어 지원하였다. 김인순, 윤석남, 박영숙, 김종례, 민혜숙, 정정엽, 류준화, 곽은숙 등 다수의 회원들이 활동하였다. 대표 공동 작업으로 〈해방의 햇새벽이 떠오를 때까지 하나되어 나아가세〉(1987)가 있다. 입김한국의 여성문화 운동이 고조되던 1997년 결성된 페미니스트 아티스트 그룹 ‘입김’(1997-)은 2000년대 페미니스트 정체성을 내걸고 성평등을 위한 예술적 실천을 전개하였다. ‘입김’은 세상의 문제를 고민하는 여성들이 모여 사회에 따뜻한 입김을 불어넣어 변화에 일조하겠다는 의미를 담아 붙인 이름으로, 1997년 10월 정정엽을 비롯하여 곽은숙, 김명진, 류준화, 우신희, 윤희수, 제미란, 하인선 등 당시 30대였던 여성작가 8명에 의해 결성되었다. 대표적인 활동으로 2000년, 가부장제의 상징인 종묘 앞을 여성 미술 축제의 장으로 전복함으로써 유교적 엄숙주의에 반기를 든 ‘아방궁 종묘 점거 프로젝트’를 비롯하여, ‘사라지는 여성들’, ‘우리 안의 여신’을 들 수 있다. 3. 관련 키워드 살림, 집사람, 곡식, 팥, 콩, 벌레, 생명, 거울, 광장, 촛불, 축제, 봇물, 얼굴 풍경, 나의 작업실 변천사, 최초의 만찬, 낱말놀이, 쓰개치마 퍼포먼스, 여성미술, 여성주의, 페미니즘, 페미니스트, 터(터 그룹), 여성미술연구회(여미연), 여성과 현실, 입김, 아방궁 종묘 점거 프로젝트, 윤석남, 박영숙, 목판화, 걸개그림, 깃발그림, 벽화, 민중미술, 노동미술, 문화운동, 두렁, 일손나눔, 갯꽃, 인천미술인연합, 황해미술제, 민족미술협의회(민미협), 미술인회의, 스쾃, 오아시스 프로젝트, 생태주의, 탈핵, 핵몽, 에코 페미니즘 작성일2024.12.13 처음페이지 이전페이지 1 2 다음페이지 마지막페이지
